SALA VIRTUAL
Museo de Arte de Pereira
Ahora puedes recorrer el MAP de manera virtual. A continuación podrás encontrar las salas del Museo con exposiciones que han hecho parte de nuestras temporadas anteriores. En cada pestaña se encuentran clasificadas por años todas las propuestas artísticas que han contribuido a la historia cultural de nuestra ciudad, brindado cientos de reflexiones sobre la realidad que vivimos y la manera en cómo la afrontamos.
Acompáñenos en este recorrido cargado de emociones y experiencias estéticas a través de fotografías y videos, sean bienvenid@s.
Temporada 2-2019
Una Línea de Polvo / Santiago Rueda
Bienal de Arquitectura Sociedad Colombiana de Arquitectos regional Risaralda
Cartografías de la espera / Sofía Gaviria
Murmurio – Espacio El Dorado
Una Línea de Polvo / Santiago Rueda
Arte y drogas en América Latina
Curaduría: Santiago Rueda
Parte de una investigación realizada por Santiago Rueda sobre el fenómeno de la droga en América Latina desde las artes visuales. Inicialmente se pensó este proyecto como una investigación puntual en 2009, pero que perduró y se abrió al contexto latinoamericano. En este sentido, Santiago Rueda, con iniciativas propias de un explorador continúa durante ésta década su indagación sobre el arte y la droga para llevarlo más allá de los límites de una Colombia colapsada por la violencia resultado del narcotráfico. Así, palabras e imagen se presentan aquí en un terreno híbrido donde la inventiva estética y el pensamiento crítico convergen.
Los artistas presentados por Rueda demuestran sus capacidades de discernimiento sobre el tema de la droga en el territorio contemporáneo de la representación.
En este sentido, para indagar en el estado actual de la sociedad frente a esta problemática (droga) es indispensable estar al tanto de una diversidad de campos, en los cuales se ejercitan operaciones de índole estético. De esta forma, se hace necesario establecer un panorama sintético de este fenómeno visto desde el arte y cultivado desde diversas estrategias formales artísticas.
Adriana Bustos – Adriana Arenas – Alexandra McNichols – Alexandre Antunes – Alfredo Román – Ana M. Millán – Antonio Caro – Camila Botero – Camilo Restrepo – Carlos Uribe – Colectivo Cactos Intactos – Colectivo Paramédicos – Colectivo S.T.A.R. (Adriana Tabalipa & Rod Steel) – Christian Abusaid – Cristina Ochoa – Chócolo – David Escobar – Edinson Quiñónez – Edwin Sánchez – Emel Meneses – Esteban Borrero – Fabio Melecio Palacios – Fabián Cano – Fabián Montenegro – Felipe Barreiro – Harold Ortiz – Hugo Tangarife – Ingrid Cuestas – Iván Navarro – Jesús Hdez-Güero – Jim Fannkugen – Johan Sebastian Giraldo – Jorge Acero – Jorge Alonso Zapata – José Horacio Martínez – Juan Melo – Julián Santana – Karen Aune – Laura Garduño – Leonardo Herrera – Leo Ayres – Lecca Lecca Studio – Lina Hincapié – Marcelo Verástegui- Margarita García – Nadia Granados – Natali Tubenchlak – Pierre Valls – Rened Varona – Sofía Reyes – Stephen Ferry – Tatyana Zambrano – Vanesa Ortiz – Víctor Hugo Bravo – Víctor Escobar – Zoraida Díaz – Kurt
Bienal de Arquitectura Sociedad Colombiana de Arquitectos regional Risaralda
La SOCIEDAD COLOMBIANA DE ARQUITECTOS, de forma continua, ha realizado la Bienal Colombiana de Arquitectura y urbanismo durante el último medio siglo, y en esta ocasión celebramos la edición número XXVI.
¡La Bienal es una fiesta! Una fiesta cultural y académica que resalta valora y premia cada dos años los mejores proyectos y obras de arquitectura y urbanismo ejecutadas en nuestro país. Son trabajos que revelan la creatividad de arquitectos y estudiantes, y permiten ver la cara pujante de la nación, al mismo tiempo que ratifican las expresiones de talento y muestran cómo se puede lograr una mejor sociedad a través de la arquitectura. Es el espacio propicio para interactuar y comprender cuán diversos, creativos, cosmopolitas y provincianos somos. Es un momento para la reflexión acerca de nuestra realidad y da lugar al pensar, el planear y el hacer.
La arquitectura, a través de sus espacios, contribuye vigorosamente con la construcción social al mirar sus propias entrañas, leerse a sí misma y lanzar expresiones auténticas conectadas al acontecer de la vanguardia mundial. Aunque se aduce crisis, sobran las ideas
creativas y el entusiasmo del arquitecto. Es evidente la forma como los profesionales de nuestro ramo producen obras que se admiran por su ingenio, que marcan hitos y que señalan caminos. Son manifestaciones surgidas de necesidades atendidas con ánimo de autenticidad, arquitectura propia de creadores que comprenden el territorio, el paisaje y su gente.
La Bienal Colombiana de Arquitectura y Urbanismo será siempre búsqueda y encuentro, realidad y utopía; planificación teórica y materialidad pragmática, tradición y novedad. Su postura autóctona y universal se funde en una fiesta diversa, creativa, de confianza y de pujanza; la manifestación de un país que no les huye a sus conflictos, sino que, por el contrario, los enfrenta valerosamente y crea obras que trascienden para impregnarse en la memoria de los tiempos.
Flavio Enrique Romero Frieri
Presidente Nacional
Sociedad Colombiana de Arquitectos
Cartografías de la espera / Sofía Gaviria
“Todo muro se levanta, no tanto para contener, como para trazar las diferencias entre identidades opuestas, sin percatarse de que los bárbaros ya están aquí.”
Los Bárbaros
Alessandro Baricco
Este proyecto nace de una imagen.
Un día mi mirada quedó atrapada en la pantalla de un televisor que mostraba a un grupo de hombres intentando traspasar una valla, que separa al territorio español de Marruecos. Esos hombres, aunque sostenidos precariamente en el extremo superior de la valla, mantenían una postura erguida y digna. Llevaban ocho horas allí, esperando a poder acceder a tierra española, luchando contra el viento y el cansancio. ¿Qué esperaban las autoridades para ir a socorrerlos?
Temporada 1-2019
Decoración para espacios claustrofóbicos / Angélica Teuta
1974 / Colección MAP
Creatorio de Performance / Juana Valencia & MAP
Bio-instalación / Aleph Experimental / Parque Explora
Decoración para espacios claustrofóbicos / Angélica Teuta
(Medellín, 1985)
Artista visual y docente de la Universidad de Antioquia. Ella da forma a sus ideas a través de la creación de instalaciones que dialogan con el espacio huésped y su necesidad de realizar ambientes oníricos, utilizando recursos como la construcción DIY (Hágalo usted mismo), proyecciones análogas y digitales, materiales domésticos y sonido con el fin de que el visitante adquiera una experiencia de juego. Su producción artística toma en gran número la forma de instalaciones inmersas que utilizan tecnologías análogas y digitales de fotografía, video y audio, al igual que elementos arquitectónicos, mobiliario, objetos y dibujos.
En el marco de esta temporada contaremos con la obra titulada “Decoración para espacios claustrofóbicos” de la artista Angélica Teuta que tras su investigación en los nuevos medios en temas tanto técnicos como conceptuales: lo fantástico y lo real, la luz y la oscuridad, el adentro y el afuera, lo privado y lo público, el paisaje y lo doméstico, ser anfitrión y estar invitado. La lleva a construir pequeños dioramas de acetatos, filtros, papel y acrílicos de colores quien con ayuda de motores y ventiladores da vida al dibujo de paisajes urbanos y rurales que al ponerse sobre proyectores de acetatos o retroproyectores son transformados en un nuevo formato de imagen en movimiento (vídeo) análogo o loop animado en tiempo real.
1974 / Colección MAP
Es la narración de una historia no lineal, que a través de obras originales, de los diferentes creadores que participaron en exposiciones del Museo de Arte de Pereira, evidencia el recorrido artístico que se ha venido desarrollando dentro del mismo. Además la exposición viene acompañada de material videográfico y archivo que da cuenta de la formación visual que, a lo largo de cuatro décadas de trabajo continuo, esta fundación privada sin ánimo de lucro ha asumido, ofreciéndole a Pereira la opción lúdica de adquirir conocimiento, a través de la interpretación de ideas que conforman las obras de arte.
Se busca reflejar la evolución de esta institución, comenzando desde el Centro de Arte Actual como se conocía hace 45 años cuando fue la iniciativa apoyada por la Sociedad Amigos del Arte (Pereira, 1948); hasta convertirse en el Museo de Arte de Pereira, nombre que lleva actualmente. En esta exposición se busca evidenciar los diferentes momentos que ha tenido esta entidad, en donde cada uno de ellos ha sido vital para la materialización del sueño que buscaba construir un lugar para la expresión artística y la exploración de medios nuevos y tradicionales del arte en diálogo con diferentes públicos.
Creatorio de Performance / Juana Valencia & MAP
“CUERPO: GESTO, TEXTO, MOVIMIENTO Y ACCIÓN” es un espacio de investigación-creación en el cual se visibilizan procesos de artistas locales, regionales y nacionales en diálogo con los distintos procesos históricos referentes al teatro, la danza y las artes visuales; donde el acto vivo y el cuerpo son los medios de enunciación. El surgimiento de procesos de acción en el Eje cafetero viene
fundamentando las investigaciones de artistas emergentes y de trayectoria, que preocupados por el cuerpo y su papel en la creación se preguntan y cuestionan los modelos tradicionales y contemporáneos establecidos, en búsqueda de un lenguaje expandido que reflexione sobre los diversos puntos de vista de un medio de expresión como la performance.
Bio-instalación / Aleph Experimental / Parque Explora
(Medellín, 2017)
Con el fin de crear una experiencia inmersiva que acerque al espectador a temas de relevancia científica, en los que se visibilice y resignifique el patrimonio natural, se plantea una instalación que reúna el proceso de recolección y estudio de muestras biológicas (agua) en el territorio cercano al Museo de Arte de Pereira y los barrios aledaños como lo es la quebrada La Dulcera que atraviesa la ciudad alimentada de varias quebradas, desde la vereda El Chocho hasta su desembocadura en el Río Consotá cerca a Cerritos.
Integrantes Aleph:
Sebastián González Muñoz – Sara Luna Ruíz David Suárez – Carol Tuberquia – Sebastián López – Manuel Palacio – Miguel Ángel Correa Alannath Ocampo – Luis Miguel Vargas – Pablo Sánchez – Juan Felipe Betancur – Oscar Arroyave – Nataly Guilombo – Juan Felipe Tangarife – Esteban Betancurt
Asesoría y apoyo:
BIOHACKING COLOMBIA.
EXPLORATORIO MEDELLÍN
Temporada 3-2018
Tapizar el Paisaje / Rosario López
Tapizar el Paisaje / Rosario López
Beca Estímulos de creación para Artistas con trayectoria MinCultura.
Santurbán es un lugar privilegiado, rico en flora y fauna, con un cuerpo de agua que refleja su entorno. El páramo seduce por su fragilidad y potencia geológica, por la acumulación de capas que se esconden bajo esa gran piel rocosa llena de vegetación. También es un escenario del conflicto político y ecológico en Colombia, en torno a la pugna entre la extracción minera y la protección del ecosistema, de sus pobladores y de la tierra. Este proyecto tiene como objetivo acercarnos, desde una mirada artística, poética y metafórica, al paisaje como escenario donde confluyen fuerzas de la naturaleza, pobladores de un territorio, políticas ambientales y movimientos sociales.
Fashion Happens / Jerfo & TusTa
Fashion Happens / Jerfo & TusTa
Beca Estímulos creación curatorial Salón Traslude Secretaría Cultura de Pereira
En el marco del Salón de arte Traslude con 40 años de tradición en la ciudad, FASHION HAPPENS acercará las dinámicas de moda y propuestas de jóvenes creadores, artistas y realizadores colombianos a la región del triángulo del café, con jornadas de celebración a la creatividad y sensibilización en la moda urbana, con una exposición del trabajo de destacados creativos de la moda colombiana; propuestas vanguardistas de fotografía, diseño de moda, performances y fashion films.
Ojos de Agua / Colección MAP
Ojos de Agua esta exposición se abre como una reflexión acerca de la importancia de los recursos hidrográficos, a través de expresiones artísticas convencionales como pinturas y esculturas, que pertenecen a la colección del Museo de Arte de Pereira, reuniendo obra de 14 artistas de seis generaciones desde los años 50’s hasta las primeras décadas del 2000, quienes manifiestan en diferentes medios, sus visiones del mundo en donde el agua tiene un papel protagonista, recorriendo paisajes desde la provincia y sus las tradiciones rurales hasta la urbe y los oficios en la ciudad enlazados directa o indirectamente al agua. Este proyecto curatorial es conformado en el marco de una crisis ambiental, sociopolítica y económica que atraviesa Colombia y el mundo, nombrando solamente el proyecto Hidroituango en Antioquia pasando por El Quimbo en el Huila se evidencia el consumo del paisaje indiscriminado por medio de prácticas irresponsables sobre las fuentes hídricas sin importar las consecuencias un futuro próximo.
La muestra mantiene en diálogo a la ciudad con los procesos de laboratorios y espacios de encuentro desarrollados por el Museo, en alianza con otras instituciones regionales, cuyo fin es manifestar la importancia de la conservación de las fuentes hídricas y la riqueza de la biodiversidad, reconociendo así el paisaje conformado por la acción conjunta entre naturaleza y hombre.
Solo Estaba pensando en ti / Pablo Bermúdez
Solo Estaba pensando en ti / Pablo Bermúdez
Los rostros y los objetos patinados, retocados, recortados y homologados que se asoman desde cualquier soporte de los medios de comunicación de masas, nos están sumergiendo hasta dejarnos sin aliento: vale la pena, entonces, indagar acerca de aquello que se encuentra bajo la “superficie” desgarrando el velo de la belleza plastificada, una posibilidad de relanzar y vincular aquello que es mediático a aquello que resulta pictórico y posiblemente poético, de transformar el rostro perfecto, o bien, como gesto opuesto, exacerbar la artificiosidad, plastificarla al extremo, focalizando su fascinación aséptica y perturbadora, en lo desencarnado e inexpresivo de una modelo de moda.
Temporada 2-2018
Gótico Tropical / La Usurpadora
Gótico Tropical / La Usurpadora
El gótico tropical nace de la necesidad de un grupo de artistas, escritores y cineastas en un contexto social de los años setentas de una ciudad de provincia, quienes influenciados por el cine y la literatura de horror, lograron transgredir y reescribir historias locales de canibalismo y vampirismo en grandes procesos transculturales; para esto se prestaron del uso de diversas fuentes como mitos, narraciones históricas o crónicas periodísticas.
La idea de realizar una muestra que revise y determine algunos aspectos de esta estética, se centra en dos situaciones importantes, el primero obedece a la estructura arquitectónica que pretende emular elementos significativos como la atmósfera bucólica y la escenografía ficticia, la otra se plantea como un intrincado sistema circulatorio que sugiere una estructura orgánica y entreteje antecedentes históricos tanto como deslizamientos artísticos de varias generaciones.
Curaduría:
María Isabel Rueda y Mario Llano [La Usurpadora], Jim Fannkugen y Ettiene Bernard.
Artistas:
- Pedro Alcántara
- Miguel Kuan
- Guillermo Marín Rico
- Norman Mejía
- Ana María Millán
- Camilo Pachón
- Carlos Egidio Moreno Perea
- Popular de Lujo (Esteban Ucros, Arnulfo Herrada)
- Sandra Rengifo
- Yeison Riascos
- María Isabel Rueda
- Adriana Salazar
- Alfonso Suárez
- Víctor Alfonso González Urrutia
- Samuel Bohórquez
- Gonzalo Díaz
- María Isabel Arango
- Ever Astudillo
- Carlos Bonil
- Richard Harrison Bravo
- Antonio Caro
- Carlos Castro
- Ximena Díaz
- Fernell Franco
- Gonzalo Fuenmayor
- Fernando García
- Ramiro Gómez
- Cristo Hoyos
Provincia / Alejandro Garcés
Provincia / Alejandro Garcés
Salir al interior es una paradoja maravillosa que exalta el descubrimiento de las manifestaciones en las diferentes poblaciones y ciudades de las regiones, fenómenos que marcan las condiciones del desarrollo de un país, siendo la provincia un territorio donde se disputan y dialogan los intereses comunes e individuales de la nación, enmarcados en una geografía definida por modos de producción y creencias dentro del “Territorio” representado y conformado por el espacio mental, físico, político, económico, sensorial, emocional, medial, institucional, corporal, metódico, creativo y dimensional; todo un conjunto de cualidades que dan forma a la idiosincrasia.
Las obras presentadas en esta exposición son manifiestos artísticos, visiones de vida en un territorio que se ha desarrollado en el intersticio dado entre las prácticas rurales y las tradiciones ancestrales en interacción con la vida moderna.
- María Teresa Hincapié
- Guillermo (memo) Vélez
- Adriana Arenas
- Jorge Barco
- María de la Paz Jaramillo
- Noé León
- Natalia Ángel
- Carlos Enrique (flaco) Hoyos
- Sonnia Yépez
- Daniel Sánchez
- Gonzalo Jiménez
- Gustavo Toro
- John James Marín
- Mauricio Chávez
- Julián López
Vivamos la cuenca / Aguas y Aguas & Universidad Catolica de Pereira
Vivamos la cuenca / Aguas y Aguas & Universidad Catolica de Pereira
El Proyecto Vivamos La Cuenca, nace del encuentro de La Empresa de Acueducto y Alcantarillado de Pereira S.A.S E.S.P (Aguas y Aguas) y la Universidad Católica de Pereira; con el fin de aunar esfuerzos y recursos de tipo humano, técnico, logístico y económico para adelantar conjuntamente acciones de educación y cultura ambiental que promuevan el uso eficiente y ahorro del agua, el cuidado y la conservación de los bienes naturales en zonas de influencia hidrológica, teniendo el arte como herramienta de transformación y sensibilización, especialmente con las comunidades de la Cuenca Alta del Río Otún y familias beneficiarias del Programa Mínimo Vital.
Las piezas son el producto del encuentro con diversas comunidades donde habitan familias beneficiarias del programa Mínimo Vital, que a través de la realización de talleres en los cuales se sensibiliza a las participantes en torno a la diversidad de la flora y la importancia del agua en el territorio.
- La Florida
- El Porvenir
- Mangas
- La Bananera de la Cuenca Alta del Río Otún
- Guayacanes (Comuna San Joaquín)
- Málaga (Comuna del Café)
Espejos y Cartografías / Fundación Arteria & MinCultura
Espejos y Cartografías / Fundación Arteria & MinCultura
A partir de los resultados del diplomado Espejos y Cartografías 2017 y en conjunto con algunos de sus estudiantes se construyó un mapa mental. Este mecanismo se empleó para hacer una revisión y puesta en escena de los contenidos esenciales del diplomado en sala de exposiciones. Los muros del Museo de Arte de Pereira, transformados en pizarras, operan como detonantes de memoria e invitan a los espectadores a sumergirse en redes de sentido tejidas entre objetos y representaciones simbólicas. La cartografía se despliega en el espacio expositivo en un trazado que comprende los diferentes módulos y metodologías de esta propuesta académica, donde se articulan diversos modos de ver el mundo y de apropiarse del pensamiento visual como herramienta transversal para aprender y transmitir el conocimiento a través de medios como: fotografía, dibujo, artes vivas, pedagogía y antropología.
Temporada 1-2018
Darien / Éter Lab
Contra(natura) / Grey Cube Projects
Antropoceno / Sara Mejía Kriendler
Surcos / Zulma Avila
Dualidad / Dalita Navarro
Darien / Éter Lab
La obra a presentar en el Museo de Pereira propone una exploración poética del territorio y las escalas ecológicas presentes en la selva del Darién, destacando especialmente el contraste entre la vida micro y macro. El insecto es aquí entendido como una forma de vida básica, universo miniatura, micro-objeto, átomo casi invisible entre la selva, grano entre la cacofonía, entre objetos más vastos como el mar y el cielo. Al contrastar ambas escalas, se evidencia una situación en la que colapsan las formas más abstractas y vivas, amplias y diminutas; un mínimo de información con la gran apertura de eventos macro-cósmicos.
Es necesario establecer entonces en la selva una mediación que teja lo microsónico y lo macrosónico, el panorama con el pixel; el insecto, como forma de vida mínima en la escucha, y el mar, como forma absoluta de un territorio, como mundo donde la ficción no es otra que percibir cada forma en su pureza, en su transformación o en su mera imagen. De esta forma se presenta a escala micro, en términos sonoros, una exploración en la materia interna de la selva, contrastado a lo más macro del entorno: el mar, representado en silencio y meramente visual. Se propone así una lectura audiovisual de la ecología oscura presente la selva del Darién, sugiriendo, mediante la desterritorialización y el juego estético, un mundo abierto al espectador, libre del hombre como interventor del espacio y apto para la especulación de nuevas rutas tras el antropoceno.
Desde que el investigador canadiense Raymond Murray Schafer propuso el concepto de paisaje sonoro en los años setenta, este se ha expandido en el campo de investigación de muchos artistas y profesionales de otras áreas, que desde enfoques transdisciplinares toman el sonido como elemento primordial de creación con el objeto de potenciar la capacidad de escucha atenta del mundo.
Contra(natura) / Grey Cube Projects
Este proyecto de creación permite establecer una serie de relaciones contrapuestas entre las obras que los artistas presentan y el postulado curatorial; en este se señalan procesos de sustitución y suplantación de la vida orgánica. Contra-Natura en esta propuesta puede ser comprendida como la relación dicotómica persistente en un mundo en donde los avatares, son ahora una realidad, no sólo discursiva sino aplicada a la vida social y política. Esta situación puede ser identificada en la amplia gama de naturalezas modificadas, alteradas y sustituidas por mutaciones sintéticas.
Contra-Natura reflexiona acerca de las contradicciones y bifurcaciones de los sistemas políticos y modelos económicos que niegan las nociones de sostenibilidad, energía renovable y el equilibrio entre distintos ecosistemas. Es cierto que el ser humano en la mayoría de las veces realiza acciones que desequilibran lo natural, originando un llamado sistema antrópico, el cual está constituido por una serie de elementos que van de la mano con el desarrollo tecnológico, urbanístico, industrial y cultural de la sociedad. Esta forma de trabajar con la materia se ha denominado “estéticas moleculares” su aplicación en el arte ha permitido comprender la materia a otro nivel, entre ellas encontramos las observaciones microscópicas, las estructuras de enlace subatómico y las aplicaciones nanotecnológicas en los distintos campos del conocimiento científico. Los modelos de diseño industrial, levantamientos arquitectónicos y las manifestaciones artísticas, se han inspirado en estos usos.
La tecnología permite superar los impedimentos que la visión humana no puede categorizar o visualizar, trascender estas limitaciones perceptuales es un modo alternativo para comprender la dimensión en la cual estamos inmersos.
Hernando Velandia – Giovanni Antonio Ayala – Silvana Unigarro – Gabriel Silva – Ximena Díaz – Margarita Moreno + German Benincore – Margaret Mariño – Andrés Matías Pinilla – Miler lagos – Juan José García – Mauricio Jaramillo – Mario Vélez – Johanna Arenas – Diego Gómez Campuzano – Karen Aune – Jean Barbato – Jaime Ávila – Evelyn Tovar – Lorena Ortiz – William Cruz – Fredy Alzate – Rafael Gomezbarros – David Peña
Antropoceno / Sara Mejía Kriendler
Este trabajo da cuenta del impacto humano en el planeta, durante la era actual, el Antropoceno, los pesimistas comparan este término con la era del Paleoceno marcada por las extinciones masivas, especialmente de los dinosaurios.
Sara Mejía se cuestiona el cómo podría el arte secular contemporáneo contener los matices ritualistico e históricos de la religión, puesto que los productos básicos de consumo son la nueva religión, almacenados en nuestros centros de culto, las tiendas; los fetiches de esta religión contemporánea son objetos que reciben el exceso de nuestra adoración. Sara no trabaja con productos básicos, solo sus restos, los envases de productos básicos que llenan nuestros contenedores de basura como quizás el único artículo más penetrante que las mercancías que envuelven, se hacen pasar por invisibles e innecesarios, se descartan fácilmente, pero su necesidad omnipresente es inevitable. Qué hacer con ellos?
La obra de Sara Kriendler Mejía es susceptible de numerosas aproximaciones y de diversas interpretaciones, ecológicas, históricas, futuristas, feministas, artísticas… pero desde el ángulo que se le mire, es una obra que implica y suscita reflexiones de enorme pertinencia en nuestro mundo actual. Una obra, por ejemplo, que nos remite directamente a deliberaciones tanto acerca del lugar de la mujer en la sociedad contemporánea, como del lugar del ser humano en el planeta, e inclusive en el universo.
Eduardo Serrano
Curador
Surcos / Zulma Avila
Arquitecta y ceramista vallenata, investigadora de la arcilla como elemento plástico, medio para la reflexión y recurso para la memoria. Ha participado en exposiciones colectivas e individuales en Colombia y Estados Unidos donde ha exhibido piezas que demuestran un estudio diario de las posibilidades de la técnica y la habilidad para hacer del gesto un lenguaje universal.
Huellas, texturas, espacios llenos y vacíos, son elementos conformados como un lenguaje, “Surcos de la madre Tierra” es un homenaje a la Madre Naturaleza, proveedora de recursos inagotables y a las huellas del paso del hombre sobre la faz del planeta, por momentos estas piezas de cerámica nos recuerdan las tablillas de arcilla con escritura cuneiforme de los Sumerios y Babilonios; civilizaciones que ya desde hace 7.000 años identificaron a la arcilla como el medio más versátil de la tierra, con múltiples variedades y colores; grabando surcos en el sustrato como memoria de su imperio.
Dualidad / Dalita Navarro
Es un conjunto de piezas, en las cuales su creadora liga elementos del pasado a un lenguaje del tiempo presente, en un sincretismo formal que deviene de la prehispanidad para manifestarse como una síntesis de lo contemporáneo, como una forma de reivindicación del pasado indígena mesoamericano.
Con un lenguaje de símbolos y signos, en formas y volúmenes epilogales, al abordar temas mitológicos pertenecientes a la tradición Nahual-mexica pero que muchas otras culturas a lo largo y ancho de américa, a manera de tributo a estas culturas, mismas que encontraron en la bi-unidad divina la conjunción del pensamiento mítico y religiosos, en el cual coexisten los arquetipos contrarios: mujer-hombre, noche-día, bien-mal, también la dualidad entre realismo documental y una historia fabulada, como una búsqueda de la perfección del mundo. Estos trabajos evidencia la distancia de lo utilitario, la vasija como sustentáculo exige un entendimiento, ya que no se puede ignorar la forma en sí que constituye un cuerpo que procede a su intervención plástica, su deconstrucción o reinvención.
Las obras son visiones imaginativas sobre el tratamiento de la cosmovisión de pueblos mesoamericanos, realizadas con el rigor que cada pieza exige para contener esa reflexión y convertirse en expresiones tipificadoras del arte contemporáneo.
Temporada 4-2017
Cuarenta años / Colección MAP
El Camino de la Serpiente / Dioscorides Pérez
Abrazos / MAria de la Paz Jaramillo
El Mundo de los Museos / Mauricio Rivera
Cuarenta años / Colección MAP
Cuarenta años / Colección MAP
Una selección de obras de 28 maestros del arte moderno y contemporáneo colombiano, producto de su donación y/o adquisición por el Museo de Arte de Pereira en sus 40 años de gestión y programación permanente en la región.
La Fundación Museo de Arte de Pereira cumplió 40 años de trayectoria realizando cerca de 540 exposiciones con los artistas más relevantes de cada momento histórico, siendo el escenario donde artistas locales, nacionales y extranjeros han desarrollado importantes reflexiones estéticas, creando espacios de encuentro entre su conocimiento y visiones de mundo con la sociedad del eje cafetero; fortaleciendo prácticas, auspiciando acontecimientos y proponiendo cartografías que permiten comprender la realidad desde diferentes puntos de vista; el Museo en su historia se ha constituido como una plataforma para la creatividad y la construcción de redes humanas detonantes de memoria; manteniéndose al día y actualizado en todas las prácticas artísticas mundiales, sin olvidar nunca su territorio. Algunos de los artistas presentes en la exposición son:
Adriana Arenas – Alejandro Obregón – Alipio Jaramillo – Álvaro Barrios – Ana Mercedes Hoyos – Antonio Barrera – Antonio Caro – Beatriz Echeverri – Beatriz Gonzalez – Camilo Lleras – Carlos Enrique Hoyos – Carlos Rojas – Delia Cugat – Edgar Negret – Eduardo Ramírez Villamizar – Elsa Zambrano – Emilio Sánchez – Enrique Grau – Fabienne Lassere – Feliza Burztyn – Fernando de Szyzzlo – Gabriel Messil – Gustavo Zalamea – Henry Moore – Hernando Tejada – Hugo Zapata – Jaime Ardila – Jesús Rafael Soto – Jhon Castles – Jorge Elías Triana – Juan Antonio Roda – Juan Camilo Uribe – Leonel Góngora – Luis Alberto Acuña – Luis Caballero – Luis Fernando Roldán – Manuel Hernández – Martín Abad – Nadín Ospina – Omar Rayo – Oscar Muñoz – Pablo Obelar – Pedro Nel Gómez – Rafael Echeverry – Robert Moth
El Camino de la Anaconda / Dioscorides Pérez
El Camino de la Anaconda / Dioscorides Pérez
El artista trae al Museo de Arte de Pereira su bitácora de El Camino de la Anaconda, obra en proceso que deriva de su libro Los cantos del Chamán, una investigación sobre mitos y ritos amazónicos. La componen dibujos, fotografías, video y publicaciones artísticas, de su trabajo con la serpiente ancestral; investigación en lingüismo y cosmogonías de las selvas de la región amazónica del Guaviare, Guainía y Vaupés; reflexiones y compilaciones de conocimientos ancestrales que el artista hace visibles que le permite dar a conocer las culturas indígenas. Se trata de dibujos de serpientes de gran tamaño, hechos a la orilla de los ríos con tinta china sobre papel seda, que una vez terminados arroja a sus aguas. Es una performance ritual-ecológica que actualiza el mito de origen de los indígenas Desana del Vaupés, que bajaron del cielo a la selva en una anaconda. La acción tiene el propósito de sanar el agua y señalar la urgencia de limpiar los ríos, proteger el bosque, la selva, la biodiversidad, la vida. Ha arrojado ya 13 serpientes en ríos de Colombia. La obra usa medios tradicionales y actuales para configurar un mensaje codificado en el lenguaje del dibujo caligráfico tradicional aprendido en China que nos habla de las culturas más antiguas de modo sincrético nos cuenta las leyendas de la selva amazónica, usando el plano simbólico, la figuración y la acción del cuerpo como lenguaje.
Abrazos / MAria de la Paz Jaramillo
Abrazos / Maria de la Paz Jaramillo
En esta ocasión la artista ha esperando poder aportar desde su obra un grano de arena a la tranquilidad que anhelamos en medio del complejo ambiente social y político tanto en Colombia como en el mundo. La artista María de la Paz Jaramillo, propone que nos volquemos unos a otros a través de los “Abrazos”, en búsqueda de la reconexión.
Maripaz como se también se ha hecho llamar, siempre ha representado una lucha universal, con vigor su obra trata el conflicto, el modo de afrontarlo o, de finalmente sucumbir en él. Los temas de género presente en su trabajo deja en ver su preocupación de exaltar el papel femenino como obreras, amas de casa o ejecutivas, detrás de cada hombre.
La artista colombiana Maripaz Jaramillo hace de la sexualidad el tema central de su obra. En los años 70, Jaramillo produjo una serie completa sobre las posibilidades de las mujeres en la sociedad de aquel tiempo. Algunas de las obras de Jaramillo representan mujeres y parejas, con el uso de colores intensos, brochazos agitados, gestos exagerados y distorsionados, que recuerdan a la caracterización del primer expresionismo alemán, pero en un marco contemporáneo. Nacida en Colombia, Jaramillo se marchó a París para estudiar en Hayter & Atelier. Ha representado a su país en numerosas Bienales, incluyendo la Bienal de San Juan, en Puerto Rico (1979, 1983 y 1988); la Bienal de Noruega (1980 y 1982); la Bienal de Londres (1981); la Bienal de París (1985); y la Bienal de Cuenca, en Ecuador (1987). Jaramillo vive y trabaja actualmente en Colombia.
El Mundo de los Museos / Mauricio Rivera
El Mundo de los Museos / Mauricio Rivera
Docente universitario. Magíster en Diseño y Creación Interactiva de la Universidad de Caldas, Licenciado en Artes Plásticas de la Universidad Tecnológica de Pereira.
Existe una trayectoria en que la Tierra pervive más allá de las epistemes de época, pues de la tierra nace el arte y la cultura para volver a ella como sedimento y polvo.
Bajar por las escaleras en espiral hasta el sótano del Museo rememora la cita histórica de La Caverna. En su pared de acceso, este manuscrito de tinta negra registra la naturaleza del Mundo y nuestro paso por él: Adentro el fuego inunda todo el espacio con intervalos y latencia. Abajo el reflejo de la noche oscura, y en su vacío una luz circular.
La naturaleza se autorregula en este espacio-tiempo al que hemos venido. Tierra, fuego y agua cobran sentido al convocarse a sí mismos como metaimagen: -El Mundo de los Museos-, es un conmemorar a partir del señalamiento de las características arquitectónicas del Museo de Arte de Pereira, de la presencia del fuego en el sonido del detector de incendios y las baldosas de tierra cocida.
Temporada 3-2017
Las Máquinas de la duración / Mario Opazo
Construcciones Simultáneas / Maria José Arjona
Río Arriba / Convocatoria de dibujo en pequeño formato
Las Máquinas de la duración / Mario Opazo
Las Máquinas de la duración / Mario Opazo
En esta ocasión, el artista presenta en el Museo de Arte de Pereira su obra “Máquinas de la duración”, a partir de cuatro esculturas o máquinas-poema relacionadas con la escritura de un ensayo en el que reflexiona elementos como el tiempo, el movimiento, la duración y el cambio, siempre preguntándose por el surgimiento de la imagen, vinculado a su deseo constante de profundizar en asuntos como la memoria, sin desligarse de su condición de exiliado. Una obra que usa el sonido, el video y la escultura, -a través de un ejercicio de montaje en el que cita recuerdos íntimos y documentos traídos de archivos culturales -, como recursos mediáticos para llegar a un discernimiento de la diferencia entre la representación del movimiento en el espacio recorrido del recuerdo, y el movimiento en sí mismo presente en la memoria como actividad promotora de cambio.
Artista plástico y realizador audiovisual de origen chileno, vive y trabaja en Bogotá donde es profesor de la Universidad Nacional de Colombia. Ha participado en importantes eventos como: la 52 Bienal Internacional de Arte de Venecia, La X Bienal de la Habana, la II Bienal de Mercosur, el Premio al Arte Latinoamericano en el MOLA en Los Ángeles EE.UU, donde obtuvo el Primer Premio, el Reencontres Internacional de Cine y Video Experimental en el Centro Georges Pompidou en París y en el Museo Nacional Reina Sofía en Madrid, además de muchos otros. Ha exhibido su trabajo en exposiciones individuales y colectivas dentro y fuera del país, siendo nominado a becas y premios de creación, entre los que se destacan la nominación a la Beca Guggenheim por Paulo Bruscky en el año 2000, la nominación al Premio Luis Caballero en el 2008, el premio Luis Caballero en el 2010, entre otros. En el año 2012 fue invitado especial a la BIM, Bienal de Imagen Movimiento en Buenos Aires y en el 2016 se realizó una muestra retrospectiva de su obra en video en la ciudad de Medellín en el marco del festival Vartex.
Construcciones Simultáneas / Maria José Arjona
Construcciones Simultáneas / Maria José Arjona
En la tercera temporada de exposiciones la artista María José Arjona presenta la obra “Construcciones simultáneas”, en la que une procesos que ha venido trabajando entre los años 2000 y 2013, – en obras como Construcción de un tiempo y Pero yo soy el tigre -, donde se experimenta con el cuerpo para generar reflexiones en torno al significado del tiempo, representado como montículo (cúmulos de arena o escombros que aluden a determinada medida) que va siendo de/re-construido gracias a la acción de caminar y contar, explica la artista. Acciones donde el cuerpo y su extensión en la voz que queda registrada, se resisten a la rapidez para “insertar en el presente nuevas narrativas sobre la forma como percibimos y experimentamos el tiempo”.
Para esta ocasión la obra contará con la participación de artistas locales, con quienes la artista trabajará en la reactivación del performance en el museo, desde la inauguración el 28 de julio hasta el cierre de la exposición el 15 de octubre. La participación de otros artistas, menciona María José, ha sido una herramienta fundamental en el performance que permite “replantear la forma como entendemos la autoría de una obra en la medida en que el cuerpo que se introduce se convierte en archivador de la experiencia y simultáneamente en traductor de la misma”; por lo que se agradece con gran emoción la colaboración de los artistas Ana María Lagos, Andrés Felipe Manzano, Cristhian Camilo Ortiz, Laura Meneses, Natalia Bustamante, Ruben Dario Ladino, Alejandro Vela y Valentina Ramírez.
Participantes: Ana María Lagos Gallego – Andrés Felipe Manzano – Cristhian Camilo Ortiz Ladino – Laura Meneses Pineda – Natalia Bustamante Castro – Ruben Dario Ladino
Río Arriba / Convocatoria de dibujo en pequeño formato
Río Arriba / Convocatoria de dibujo en pequeño formato
Con relación a un panorama expositivo que considera asuntos como el tiempo, la memoria y la potencia de cuerpos en constante movimiento poético, se abrió desde el Museo de Arte de Pereira la convocatoria de dibujo en pequeño formato “Río arriba”, donde se invitó a artistas con diferentes perspectivas del dibujo a participar de una exposición colectiva que les propone responder qué es para ellos el río.
En primera instancia la exposición exigía una experiencia: cada participante debía traer junto con su dibujo una fotografía de su paseo al río o acompañar al equipo del museo en un paseo al río Otún; ofreciéndose como ocasión a los artistas para reunirse a considerar el movimiento donde sucede el cambio del que habla Heráclito (“nadie puede bañarse dos veces en un mismo río”), el tiempo, la luz, la memoria, las orillas, la corriente contra la cual se avanza cuando se va río arriba, las políticas de los asentamientos de los cuerpos, entre las otras cosas a las que se puede prestar nueva atención mientras se sigue estando inmerso en una materia bastante considerada como el río que, como expresa Borges, no nos es ajena ya que nosotros mismos “somos el tiempo… Somos el agua…la que se pierde, no la que reposa…somos el río…Todo nos dijo adiós, todo se aleja. La memoria no acuña su moneda. Y sin embargo hay algo que se queda, y sin embargo hay algo que se queja.”
Artistas: 34 artistas de origen local y nacional.
Temporada 2-2017
Atlas / Mario Vélez
Dibujos Expandidos / Colección Museo de Arte de Pereira
Salon de Arte Popular / Fundación BAT
Reproducibles / Quinta Cultural
Atlas / Mario Vélez
Atlas / Mario Vélez
Este artista de origen antioqueño durante sus 28 años de trayectoria ha realizado cerca de 21 exposiciones individuales en más de 9 países del mundo, participando en bienales, salones, espacios independientes e instituciones sumando a su vida una larga lista de exposiciones colectivas.
Esta exposición de Mario Vélez está conformada por 40 obras entre pintura, escultura, encáustica e instalación que forman un todo, pueden ser leídas una por una, pero en realidad son un universo pictórico donde se representan los fenómenos físicos de la materia, la materia oscura y la luz. (…) el universo donde la energía cuántica y la vida cotidiana son uno. Las pinturas, esculturas y objetos instalados, son una serie de coordenadas que nos ubican ante la infinitud, la consciencia de la existencia a pesar de nuestra presencia insignificante. De esta manera, lo que se nos planteaba como un escenario abstracto se convierte en una interpretación cósmica del artista.
Dibujos Expandidos / Colección Museo de Arte de Pereira
Dibujos Expandidos / Colección Museo de Arte de Pereira
Con una selección de 20 piezas escultóricas de diecisiete grandes maestros del arte moderno colombiano que componen la colección del Museo de Arte de Pereira, queremos completar el panorama estético y social que nos brinda esta 2ª temporada de exposiciones 2017, una oportunidad única para comprender a través de los relatos de nación de 105 artistas en 4 exposiciones que configuran nuestra historia actual como Colombia.
La Fundación Museo de Arte de Pereira cumplió 40 años de trayectoria, realizando cerca de 540 exposiciones con los más relevantes artistas de cada momento histórico, creando espacios de encuentro y pensamiento artístico, siendo el escenario donde artistas locales, nacionales y extranjeros desarrollan importantes reflexiones estéticas, y proponiendo prácticas, acontecimientos y cartografías que permiten comprender la realidad desde diferentes puntos de vista; en su historia se ha constituido como una plataforma para la creatividad y la construcción de redes humanas detonantes de memoria; manteniéndose fresco y actualizado en todas las prácticas artísticas mundiales, sin olvidar nunca su territorio.
Álvaro Barrios, Beatriz Echeverri, Beatriz Gonzales, Edgar Negret, Eduardo Ramírez Villamizar, Enrique Grau, Feliza Burztyn, Hernando Tejada, Hugo Zapata, Jesús Rafael Soto, Jhon Castles, María Livia Miller, Martín Abad, Nadín Ospina, Oscar Naranjo.
Salon de Arte Popular / Fundación BAT
Salon de Arte Popular / Fundación BAT
La exposición está compuesta por 58 obras seleccionadas entre las 1667 que se presentaron a la convocatoria nacional, entre las que se encuentran las ganadoras, las menciones, entre otras; encontramos tallas en madera, esculturas, pinturas, fotografías, videos, instalaciones, entre otras técnicas plásticas. (información adjunta acerca de los ganadores). El Salón BAT de arte popular se ha consolidado como un espacio para divulgar y proyectar las diferentes tendencias, técnicas y expresiones de los artistas, cuya única condición es precisamente, al contrario de otras convocatorias, que no tengan educación formal en artes plásticas. Es así como se ha descubierto un gran talento en Colombia, el cual se evidencia en el desarrollo de las técnicas, el uso de los materiales, la investigación y los rasgos identitarios que se ven plasmados en las obras.
Cesar Augusto Agudelo Martínez, Jairo Enrique Támara, Ana Luz Navarro, Eduardo Butrón, Floresminda Tapia, Oswaldo Henríquez García, Diego Holguín, Rodrigo Caballero, Carlos Andrés Ospina, Juan Francisco Cantillo, Edgardo Enrique Camacho, Irma Cecilia Pinzón, Jorge Eliécer Contreras, Juana Alicia Ruiz, Alicia del Socorro Gómez, Jaime Gutiérrez Jaramillo, Norberto Santa Gallego, León Antonio Zapata, Jorge Eliécer Camargo, Oscar Torres Esmeral, Andrés Alarcón, Guillermo Gaitán Hernández, Crisanto Gómez Carrillo, Kelly Johana Sánchez, Jaime Rojas Prieto, Rosalvina Sierra Gallo, Rafael Eduardo Pinzón, César Augusto Ortiz, Oscar Iván Roque, Miguel Ángel Basto, José Evelio Calvete, Ramiro Cárdenas Duarte, Gabriel Castillo, Nidia Isabel Peña Rivera, Oscar Marino Quintero, Hernando Parménides Zambrano, Julio Alberto Villareal, Jorge Carrera García, José René Arcos, John Fredy Campo, Carlos Efraín Rosero, Gloria Amparo Morales, Jhon Alexander Maya, Juan Mauricio Franco, Eduardo Muñoz Lora, Fabián Arturo Morales, Henry Villada Tamayo, Hernando Vargas Morales, Wilson Gutiérrez Lozano, Draison Murillo, Carlos Egidio Moreno, Mauricio Alejandro Giraldo, Gabriel Andrés Posada, Berenice Angie Cerquera, Julio César Ojeda, Jorge Alonso Zapata.
Reproducibles / Quinta Cultural
Reproducibles / Quinta Cultural
En esta exposición, la reproducción no se aborda únicamente desde la técnica, es decir, desde el ejercicio o el acto mismo de volver a (re)producir. Las obras también se acercan a ello como tema de reflexión, señalando un amplio espectro de posibilidades para interpretarlo y comprenderlo, para transmitirlo y expresarlo. En las piezas, forma y contenido se aproximan a la reproducción como concepto, a veces de manera armónica y complementaria, otras veces compitiendo y contradiciendose. En la búsqueda por acercarse a la reproducción es necesario recurrir a la repetición, a la imitación o a la réplica, pero el proceso creativo no se reduce a un obediente acto mecánico. Eso son los Reproducibles: el resultado de una decisión entre la continuidad y la discontinuidad. Cada reproducible traza una línea propia que separa lo que mantiene de lo que cambia, lo que replica de lo que modifica, lo que permanece de lo que irrumpe.
Alberto Miani, Alejandro Londoño, Antonio Bermúdez, Azadeh Gholizadeh, Boris Restrepo, Carlos Gómez, Cristian Navas, Diana Torres, Elnaz Javani, Ernesto Soto, Fredy Clavijo, Javier Vanegas , José Sanín , Juan Pablo Lozano, Juana Anzellini , Maite Ibarreche, Mateo Zúñiga , Miguel Arévalo , Nicolás Gómez , Nicolás Sanín, Orkideh Torabi, Pablo Gómez, Rambod Vala, Ricardo Muñoz, Sanaz Sohrabi, Santiago Forero, Sergio Román, Valeria Giraldo, Yaya Mousavi.
Temporada 1-2017
Borrador #1 o la Perpetuidad del Voto Nacional / Proyecto Bachué & Espacio El Dorado
Borrador #1 o la Perpetuidad del Voto Nacional / Proyecto Bachué & Espacio El Dorado
”El espíritu no existe, Sors. Solo existe tierra- decía Vavra mostrando su puño cerrado-. Tierra y sangre y sudor y viudas y cerveza. El arte no son cosas colgadas en la pared, es rabia y uñas sucias. Esa intelectualidad que nuestros colegas predican es lo opuesto al arte. El suelo y la basura, cuando despiertan y miran para sí, eso es lo que el arte es. Las cosas lavadas y blancas son lo opuesto. El arte es el mayor crimen de la humanidad, pues va contra todas las leyes y contra todo lo que está establecido y asegurado. Es el mayor crimen que la sociedad puede imaginar, pues a través de él es que todo se ha destruido. Aquellos que hablan de creatividad no saben lo que es crear. Destruye, aplasta y bajo tus pies nace la hierba.”
El pintor debajo del lavaplatos
Afonso Cruz
Borrador 1 o la perpetuidad del Voto Nacional – Obras de la colección Proyecto Bachué Y2K es una mirada a algunos artistas e historias marginadas de las narrativas sobre el duelo y la memoria predominantes en la teoría del arte de Colombia en lo que va de este milenio. Parte de la idea de que el arte debe poetizar y funcionar como una presencia indéxica, y dar visibilidad a los artistas que usan su obra para expresar un malestar o dejar constancia de algo que sucedió e incluso hacer una crítica al momento actual.
Las obras presentadas aquí son resultado de investigaciones y vivencias propias de cada uno de los artistas que hacen parte de la muestra. Por el contexto hostil y violento en el que fueron producidas no buscan poetizar buscando una experiencia sublime sino expresar y denunciar, usar su voz para incomodar al espectador. Esta incomodidad se traduce en críticas que dicen que los artistas no están aportando al duelo o que no están procesando los materiales (sean estos archivos, objetos o historias) sino simplemente disponiéndose. Se piensa que para que una obra sea eficiente, es necesario despojar de las cargas que poseen para limpiarlas y dar un mensaje, ojalá de paz y de duelo. Otra forma que se ha impuesto para descartar este tipo de obras ha sido su equiparación con el contenido provisto por los medios de comunicación amarillistas: se denuncian como efectistas, insinuando que solo quieren causar una impresión o un efecto sin buscar trascender. Todas estas categorías se utilizan únicamente para no tener que enfrentarlas o no tener que pensar en los discursos que manejan los artistas, pues no son complacientes ni elevan el espíritu. Son resultado de hechos crudos, violentos, sangrientos, haciéndolas a ellas mismas crudas, violentas y sangrientas. Son ese mugre debajo de las uñas. Son un rastro de lo que es Colombia.
Una colección privada de arte contemporáneo es en sí la mirada de un coleccionista que, como los artistas, muchas veces no sabe exactamente qué está haciendo pero siente una pulsión, una vibración que lo lleva a actuar de alguna manera. Como los artistas que hacen parte de esta muestra, el coleccionista acumula y dispone las obras para que puedan ser leídas como un conjunto, reprocesándolas.
En el caso de esta colección, dicha actitud se entiende no como un proceso de inversión monetaria sino, en los mismos términos en que lo veía Walter Benjamin cuando hablaba del momento en que una obra sale del mercado para perder su valor como mercancía, obtiene el valor de quien la aprecia. Lo que la hace independiente de su valor
de uso o de cambio. Al tener un valor simbólico, las obras se escapan de la mirada alejada de la historia y se miran desde la entraña. Es desde las heridas aquí reflejadas que el coleccionista busca contar una historia –una de muchas- de un país en conflicto, donde se han perpetrado tal cantidad de modos violentos durante tanto tiempo hasta el punto en que se llegaron a naturalizar.
Germán Arrubla
Felipe Arturo
Marcos Ávila
William Bahos
Alberto Baraya
Carlos Bonil
Richard Harrison Bravo
François Bucher
Leonel Castañeda
Carlos Castro
Jesús Eduardo Correa
Juan Manuel Echavarría
Nelson Fory
Juan Fernando Herrán
José Horacio Martínez
Eduard Moreno
Mario Opazo
Andrés Orjuela
Lucas Ospina
Fabio Melecio Palacios
Andrés Matías Pinilla
Edison Quiñones
José Alejandro Restrepo
Edwin Sánchez
Rosemberg Sandoval
Andrés Felipe Uribe
Carlos Uribe
Gustavo Villa
La Certeza de la Duda / Fredy Clavijo Cuartas
La Certeza de la Duda / Fredy Clavijo Cuartas
Hijo de un fundidor, creció en un taller donde se producían cosas útiles y muy seguramente con técnicas similares a las implementadas en la revolución industrial del siglo antepasado. Fredy Clavijo es artista plástico formado en la Universidad Tecnológica de Pereira y actual miembro de la Residencia Artística La Cuenca ubicada en el corregimiento de La Florida al lado del Otún, río titular de Pereira el cual provee el agua para el acueducto y también espacios de recreo a sus ciudadanos.
Su vida al lado del río y sus memorias de niño en el taller de su padre se sintetizan en su obra, la cual ha usado el OCIO como metáfora de la dicotomía que vive el hombre actual: entre el hacer y el no hacer, entre crear algo útil o inútil, entre el tiempo productivo y el improductivo, entre el conocimiento imaginado y el científico, entre lo hermético y lo público.
Para que haya ocio debe haber tiempo y es lo que ocurre o se ensueña en ese espacio lo que se vuelve necesario. Para Clavijo, crear ese espacio y ese tiempo es un acto subversivo en sí mismo, ya el tema, las reflexiones y la sublimación de la realidad a través de los objetos, instalaciones y dibujos son la huella de lo que se hizo cuando no se estaba haciendo. En esta muestra se quiere presentar la complejidad del pensamiento de Fredy Clavijo lo cual se evidencia en las series de dibujos Aprender de lo Inútil (2011), El Libro de los Comienzos (2015), una recopilación de videos y en la instalación creada para esta muestra: La Certeza de la Duda.
Artista plástico, nacido en la ciudad de Pereira en 1977. Egresado de la Universidad Tecnológica de Pereira en el año 2003. Su producción artística lo ha llevado a investigar sobre el manejo del tiempo libre y el ocio en diferentes estratos económicos de la sociedad contemporánea, llevando a cabo exploraciones que dan como resultado una serie de traducciones en el plano visual vinculadas especialmente con imágenes provenientes de las prácticas propias del turismo, el paseo y los viajes.
Temporada 4-2016
César del Valle
Pipo Hernández
Lucy Tejada
Salsa pa’ ti no para mi / Dick Verdult
Nacimiento / César del Valle
Nacimiento / César del Valle
Lo importante para quien dibuja no es tener la mano preparada para rayar, es tener el cerebro presto para establecer relaciones, para descubrir las que existen y para crear unas nuevas.
ROBERTO ECHETO
(Origen, centro del círculo), es una propuesta que retoma los principios básicos de la representación geométrica del espacio seleccionado. Nacimiento, es ir y analizar los espacios del museo para empezar de cero, y si bien surge de una pregunta existencial por el hacer como dibujo y como proceso de aprendizaje, también surge de su interés por el paisaje, un género que no había explorado; por eso sus inquietudes formales se orientan hacia el río y particularmente por la cuenca media del río Otún, que se constituye en centro contextual de atención, en una excusa para dibujar y activar de paso nuevas poéticas en consonancia con lo geométrico de la sala, principio y fin de esta intervención espacial.
A veces perseguimos situaciones orientados por alguna premisa latente, a veces uno se empecina en tratar de resolver preguntas sobre el devenir de lo que hacemos y sobre dónde iremos a parar. La mayoría de las veces la respuesta nos sorprende habitando una pregunta nueva para darnos cuenta que simplemente estamos en tránsito, que es necesario atravesar por terrenos de la duda y los temores, que es inevitable propiciar la crisis para sabernos transformados y con el aliento suficiente, con la sensibilidad necesaria para emprender los nuevos retos. “La enfermedad es el medio con que un organismo se libera de lo extraño” para nacer de nuevo.
ARMANDO MONTOYA LÓPEZ
Docente Titular Facultad de Artes Universidad de Antioquia
Director Galería BANASTA
Luz Abisal / Pipo Hernández
Luz Abisal / Pipo Hernández
N/F Galería
Las obras de Pipo Hernández Rivero plantean dudas acerca de todo tipo de certeza cultural. Construidas con imágenes e ideas ancladas en la cultura moderna, sus obras se mueven en el territorio de la sospecha y la opacidad.
Señalando la complejidad de las posibilidades de la pintura en el siglo XXI, Su trabajo ofrece una reconsideración de lo pictórico desde estructuras formales y conceptuales bajo las que subyacen referencias al fracaso y a las vanguardias culturales.
Haciendo dialogar la posibilidad pictórica con materiales de todo tipo, e involucrando textos en idiomas que escapan al uniforme cultural y por tanto, territorios percibidos desde la inercia de la sensibilidad occidental como elementos de ansiedad, las piezas confrontan al espectador con un diálogo no resuelto, forzándole a repensar las nociones de identidad y valor. Sus obras juegan a cortar el circuito de inercias de lectura en el seno de la problemática contemporánea.
Salsa pa’ ti no para mi / Dick Verdult
Salsa pa’ ti no para mi / Dick Verdult
La exposición de Dick Verdult (también conocido como Dick El Demasiado) pule América Latina con un guante de lija. Desde las cerámicas bellas y monstruosas a los dulces dibujos de niños este conjunto de obras trabaja la curiosidad y la distorsión popular desde el punto de vista de alguien que no es de aqui ni de alla. Fernando llanos: Por eso me gusta el trabajo de Dick, me hace repensar si las decisiones racionales que la estética ha tomado no son opuestas a las de la ética que mis instintos y tripas han sugerido.
Carlos Amorales: Dick Verdult, con su manera de procesar anárquicamente la cultura que recoge durante su recorrido por dentro y por fuera de su patria, es uno de los pocos artistas francamente anti académicos que sobreviven. Cuiden a este hombre, artistas como él ya no hay muchos. No dejen que se les pierda en altamar.
Cuauhtemoc Medina: Me resulta imposible abordar la obra de Dick sin crear categorías híbridas aparentemente contradictorias. Quiero pensar que más allá de la reivindicación de este espíritu de combatividad —que incluye la revulsión que a Dick le produce los momentos imitativos en que América Latina se pretende más Europea que Suiza— lo que está en juego aquí es la búsqueda de una estética y una ética. Sintetizar lo que es un laberinto de ideas, emociones y frases cortadas es una tarea de esas tan estúpidas, que sólo aventuramos los críticos de arte. Pues el asunto con Dick Verdult es que, en efecto, es sin principio sin final. Y eso es como dar una respuesta a la magnificencia y monstruosidad de la vida. Todo ello, por supuesto, es mucho más que muy poco. Todo eso es potencialmente demasiado…
Dick Verdult (holando-argentino 1954) es cineasta, escultor, performer, escritor, músico. Desde sus programas punk para la televisión holandesa VPRO en el 79, pasando por cine independiente y trabajos de arte con dinámicas de grupo (el IBW, Instituto de Lunatismo abordable), además de degenerar con gran placer la cumbia (el Neil Armstrong de la cumbia según Chucky García) los últimos diez años a reforzado su lado de artes plásticas con grandes exposiciones entre otros Van Abbemuseum, Museo del Chopo Unam, Bienal de Gwangju Corea. Últimamente está trabajando con cerámica y terminando su segunda novela “El puré de más papas”.
Lucy Tejada
Lucy Tejada
Nací en Pereira. Desde muy pequeña mis padres me llevaron a Manizales. permanecía allí durante un buen tiempo de mi infancia. recuerdo el barrio Versalles, un sitio que querido mucho porque estaba rodeado de naturaleza y porque fue allí donde mis padres construyeron nuestra primera vivienda propia. Un barrio rodeado de vegetación, que en realidad no parece urbano sino más bien un sitio todavía bastante rural. Nuestra casa tenía un patio trasero lleno de árboles que empezaban a crecer y en ella había una especie de Torre con pretensiones de minarete y un balcón donde crecían una enredadera Flores llegaban hasta el suelo. Allí mamá tenía un estudio para pintar y desde esa época nosotros que impregnados con el olor de las pinturas. Mis padres fabricaron ellos mismos los muebles iniciales, utilizando tablas de pino con sus correspondientes resortes, Materiales de relleno y forros. Y teníamos una “Vitrola” donde escuchamos oberturas de ópera. Recuerdo aún en la compasado chirrido de la máquina de coser de mamá – “La Cantadora”- una Singer donde ella cosía los vestidos con tanta curia como economía en los materiales. Siempre aquella hermosa austeridad y dignidad.
Temporada 3-2016
AÚN 44 Salón Nacional de Artistas / MinCultura & Alcaldía de Pereira
Temporada 2-2016
La Piscina Vacía / Daniel Salamanca
La Piscina Vacía / Daniel Salamanca
“La piscina vacía” es una novela corta y una obra plástica del artista Daniel Salamanca Núñez. El escrito es una narración, en primera persona, de una mujer viuda que pasados los 65 años y una vez jubilada, decide dedicar gran parte de su tiempo a aprender a nadar. Ese argumento es el eje central de toda la obra que, poco a poco, empieza también a tocar temas tales como la fe, el ocaso de la vida, la memoria y el deterioro arquitectónico de un lugar. Mientras escribía, en un ir y venir de procesos creativos, el autor va imaginando las posibilidades que esa historia tiene dentro del lenguaje de las artes visuales hasta construir un recorrido, por momentos o capítulos, en el que el espectador podrá encontrarse con obras en diversos medios y formatos, tales como el dibujo, la pintura, series gráficas y videos que retoman, de manera simbólica y metafórica, no ilustrativa, apartes del texto literario.
Mi Mayor Defeto es el Perfesionismo / Diego Piñeros
Mi Mayor Defeto es el Perfesionismo / Diego Piñeros
Una serie de dibujos que el artista Diego Piñeros García realizó con un medio tan dócil como la plastilina… “toma muestras del arsenal de formas, figuras y representaciones que viajan errantes como partículas de astros a través de los medios; selecciona destellos o esquirlas de espejos y vitrinas del mercado de íconos, pop star, súper héroes y consignas; se aferra a “imágenes” que van flotando como tablas sueltas para náufragos; arrastrado a mares de escombros, a la deriva van pedazos de presentes discontinuos, fracturados y desprendidos del tiempo. Esas “imágenes” arrojadas al vacío, afuera de la historia, se le dan como pauta para una promesa de duración.” (…)
Mario Opazo.
Ciudad Perdida / Jaime Ávila
Ciudad Perdida / Jaime Ávila
El trabajo más reciente del artista Jaime Ávila, se compone de una serie de dibujos en mediano y gran formato que simulan vistas aéreas de paisajes nocturnos. Cada una de las vistas está delimitada por una serie de estructuras de ordenamiento que se hacen visibles a través de la construcción de las ciudades. Las redes de luz eléctrica funcionan en estas ciudades imaginarias como líneas que marcan los límites de los territorios. Ávila hace referencia a la apropiación de la geografía y la expansión de las ciudades sobre el paisaje natural. El uso de la tecnología como herramienta para la privatización de la tierra se muestra también en los nombres de los paisajes, que adquieren una nueva denominación de acuerdo a sus propietarios. De esta manera el Océano Pacífico podría llamarse el Océano de Jonathan. La expansión de las urbanizaciones convierte entonces la geografía en una extensión de la ciudad. La búsqueda de la ciudad perdida tiene lugar en el dibujo que diagrama un territorio mental, evidenciando en el mapa lugares ilegales y clandestinos que se camuflan entre la naturaleza durante el día.
FOTO URBE 10.16 / Ciudad Latente
FOTO URBE 10.16 / Ciudad Latente
Festival Internacional de Fotografía en el Paisaje Cultural Cafetero llega en el 2016 a su décima versión, celebración que se une a los 15 años de la organización Ciudad Latente. Para celebrar estas coincidencias, el eje temático propuesto para este año será “10 años de-construcciones” en alusión a la fotografía como medio para redimensionar la imagen representativa en el campo de la creación artística, una antología crítica de algunas de las obras más representativas en la historia de las 9 versiones anteriores. Una diversidad de creaciones que de-construyen la fotografía, en líneas curatoriales como “construcciones documentales”, “archivos extendidos”, “documentos íntimos”, “despliegues del paisaje” o “ficciones documentales”.
Participan en exposición más de 30 fotógrafos contemporáneos:
Francesco Giusti (Italia)
Naida Osline (EEUU)
Rodrigo Vega (España)
Eliane Ling (Hong Kong)
Matthew O`Brien (EEUU)
Rodrigo Grajales (Pereira)
Basilio Silva (Pereira)
Juan Carlos Londoño (Pereira)
Diego Escobar (Manizales)
Didier Arenas (Pereira)
Juan Fernando Ospina (Manizales)
Víctor Galeano (Pereira)
Jesús Abad Colorado (Pereira)
Gustavo Toro (Pereira)
Adriana Pérez (Armenia)
Entre otros…
Temporada 1-2016
Siguiendo el Río / Natalia Castañeda
Siguiendo el Río / Natalia Castañeda
Una instalación en el suelo compuesto por numerosos dibujos sobre gotas de yeso que se extienden alrededor de la sala Principal del Museo. La obra invita a visitantes a colaborar en la construcción de esta representación de un afluente, pues cada relieve en yeso plantea de manera lúdica ser trazado de infinitas maneras. Así se compone un dibujo/terreno de múltiples trazos, historias y autores, donde una diversidad gráfica se extiende en el espacio, para componer un terreno frágil e inaccesible, de cualidades rocosas y acuosas, como características de un paisaje austero, seco y delicado. Al final de la muestra, la pieza cede su impecabilidad y congelación expositiva al curso de la vida, al ciclo natural de transformación y desintegración, al ofrecerse como terreno de marcha y campo de juego al visitante que la dibujo.
La Cuenca Residencia Artística / Fredy Clavijo, Ricardo Muñoz y Camilo del Mar
La Cuenca Residencia Artística / Fredy Clavijo, Ricardo Muñoz y Camilo del Mar
Una muestra que recoge algunos procesos de creación individual y colectiva realizados por artistas que han pasado por La Cuenca, realizando allí ejercicios artísticos con la comunidad del corregimiento La Florida en Pereira, invitando también al cantautor campesino Rubiel Pinillo. Esta exposición se realizara en la sala de Proyectos del Museo, como un estudio abierto con un artista invitado a realizar un proyecto creativo. Este proyecto es realizado por los artistas Fredy Clavijo Cuartas, Camilo del Mar y Ricardo Muñoz Izquierdo quienes residen permanentemente en este corregimiento a 20 minutos de Pereira.
La Barbarie Originaria / Jima Fannkugen & Guillermo Marín
La Barbarie Originaria / Jim Fannkugen & Guillermo Marín
En las salas del tercer piso y el subsuelo del Museo, es una curaduría de los artistas colombianos Guillermo Marín & Jim Fannkugen, docentes de la Universidad del Cauca, quienes establecen un diálogo o a veces confrontaciones entre perspectivas de una región tan diversa en aspectos geográficos, sociales, económicos y culturales, conformes a sus circunstancias territoriales. Circunstancias suscritas en procesos coloniales postergados como; resistencia, territorios en disputa, espectros memoriales y taxonomías; estos resultan tópicos fundamentales que tratan de abarcar en esta investigación curatorial. Cuentan con artistas que por alguna razón pasaron a través del territorio caucano y otros que todavía residen allí, narrando con las obras, sus experiencias desde cada lugar de enunciación.
James Campo
Richard Bravo
Paula Yunda
William Villota
William Bahos
Omar Lebaza
Manuel Bernardo Rojas
Edinson Quiñonez
Yeison Riascos
Carlos Calderón
Natalia Pipicano
Antonio Ayala
Angela Maya
Juber Gómez
Alexandra Chávez
Jesús Eduardo Grijalba
Temporada 4-2015
Frío en Colombia / Ana María Millan
Mi mundoscuro / Juan Pablo Echeverri
Estudio comparado de paisaje / Alberto Baraya
Frío en Colombia / Ana María Millán
Frío en Colombia / Ana María Millán
En la sala María de la Paz Jaramillo, “Frío en Colombia (2015) es una reinterpretación fragmentada y frágil de un artefacto fílmico largamente represado en los anales del cine colombiano: Kalt in Kolumbien, una producción colombo-alemana de 1985, que resultó en las muertes del director, Dieter Schidor, y del productor, Víctor Nieto Jr. Cubierta por un legado de infamia y tragedia, la película se estrenó en 1985, en el Festival de Cine de Toronto y fue proyectada un año más tarde en la Berlinale, para terminar siendo confinada por la burocracia alemana a un archivo en Hamburgo, donde reposa a la fecha en secuestro legal a la espera de una autorización post-mortem para su distribución. La única copia disponible es un casete de video muy deteriorado en poder de Marcel Odenbach –un pionero alemán del video-arte, quien interpreta en la película una versión ficticia de sí mismo– que Ana María Millán digitalizó como fuente primaria para su adaptación.“
Mi mundoscuro / Juan Pablo Echeverri
Mi mundoscuro / Juan Pablo Echeverri
En la sala César Gaviria, JUAN PABLO ECHEVERRI, presenta la serie fotográfica “mi Mundo oscuro.” El surgimiento de la obra de Juan Pablo Echeverri está localizada en los años previos a la realidad de las redes sociales. Una realidad en la que constantemente se auto-diseña la imagen personal ante los ojos de los otros. Una realidad virtual que diariamente incide en las subjetividades del individuo fuera de la pantalla. Por más de una década, la insistencia obsesiva de Echeverri por el género del autorretrato, parece igualmente haber pronosticado el narcisismo que actualmente ejercemos ante el ojo de una cámara y la celebración del excentricismo en el consumismo actual. Sin embargo, su particular iconografía permanece en el campo siniestro. Cada una de sus series fotográficas parece exteriorizar fantasías reprimidas del individuo. A través de innumerables series fotográficas y vídeos Echeverri ha mutado su identidad, trasvistiéndose en personajes andrógenos, en identidades inclasificables.
Estudio comparado de paisaje / Alberto Baraya
Estudio comparado de paisaje / Alberto Baraya
En la sala principal del museo se plantea como un ensayo sobre el paisaje, mostrando algunas aproximaciones a la idea del recorrido del espacio, la contemplación de la naturaleza y la práctica del viajero documentalista. Este acercamiento incluye diferentes aproximaciones al asunto del paisaje, desde las reproducciones ejecutadas con técnicas tradicionales al aire libre, hasta los ensayos en video. La muestra se conforma de un registro documental del paso de un barco militar en el río Putumayo, (Río, 2005) por una antigua región cauchera que en el momento de realización se encontraba bajo la influencia de las Farc. Los “Estudios comparados de lagos” (Chapultepec-Hacienda Nápoles) propone una “contemplación” de paisajes similares entre el descuidado y cuasi abandonado territorio colombiano, y el actual panorama mexicano. El video “Cañón” es un ensayo sobre la contemplación del paisaje interandino en Colombia y su contorno y El video “Palma”, un recorrido subjetivo al interior de un cultivo de palma africana en los llanos orientales.
Temporada 3-2015
Progresión / Aníbal Vallejo
Progresión / Aníbal Vallejo
En los últimos años mi trabajo se ha centrado en las fronteras de la pintura y sus posibilidades. Más allá de las técnicas convencionales y formales busco nuevos medios que se integren al proceso en una reflexión en torno a lo pictórico, a lo que conocemos como pintura. En mi trabajo más reciente asumo mis pinturas y dibujos como objetos. Durante este proceso se abre una nueva perspectiva hacia lo tridimensional. La obra resalta por su economía de medios, mono cromatismo y apariencia minimalista.
Aníbal Vallejo estudió artes plásticas en la Universidad de Antioquia y luego diseño de moda en la Colegiatura Colombiana de Diseño, ambas en la ciudad de Medellín. Posteriormente se radicó en Europa donde complementó su formación como pintor en diversos países: Inglaterra, España e Italia principalmente y luego estableció su estudio en la ciudad de Nueva York. Durante más de doce años ha participado en diferentes exhibiciones en galerías, museos y ferias internacionales.
El Espectador / Jorge Gómez Restrepo
El Espectador / Jorge Gómez Restrepo
Cuando observamos una pintura de Jorge Gómez lo primero que salta a la vista es su generosidad matérica, el pigmento de color que parece desprenderse del lienzo. Y aún más, de cerca el material pictórico aparece como un volumen caótico en un viaje sin sentido, en una deriva casual. Pero una primera estrategia plástica que el pintor ejecuta convierte el óleo en representación, es decir, ya no pertenece a un mundo inerte, sino a un vehículo de significación. Una segunda maniobra le quita a la representación su aspecto mimético, es decir su fidelidad a una realidad, y una tercera operación deja la obra en un estado autónomo. Estamos frente a una pintura ya totalmente independiente de su punto de partida. De lo inerte a la significación, y de ésta a una realidad otra, a un estado pictórico independiente del modelo inicial.
El espacio abandona ahora toda forma de efectismo y se erige con claridad meridiana: nada está puesto al azar, nada queda en el aire. Y hay algo que sorprende. El espacio dialoga con él mismo, sin perder nitidez parece ir elaborando siguiendo su propia voluntad.
Frente a la forma endurecida de la pintura premeditada, hay aquí una voluntad espacial que dialoga con el artista, la materia parece ejecutar su propia espacialidad, el pintor le sigue el juego. Entonces en la obra aparece una capacidad de aventura, que invade al espectador, una incertidumbre que le permite al observador involucrarse en la obra. Se cumple la sentencia de Novalis: “el verdadero espectador, debe ser una ampliación del autor”.
Paisaje Interior / Lucy Tejada
Paisaje Interior / Lucy Tejada
Una exposición formada por una instalación interactiva que se realiza a partir de una obra de la artista Lucy Tejada, acompañada por una selección de las obras donadas a Pereira por la artista, donde deja ver su pasión por la naturaleza y tal vez, su preocupación por el uso de los recursos. Un proyecto desarrollado por el Colectivo Estratosfera de Manizales y el Museo de Arte de Pereira.
Parque Estacionario / Nicolás Gómez Echeverri
Parque Estacionario / Nicolás Gómez Echeverri
La exposición presenta una versión de la instalación Parque estacionario (2015) adaptada al espacio del Museo de Arte de Pereira, junto con otras series anteriores como Highway (2013-2014) y Ante y a través (2012) y piezas que hacen parte de la investigación del artista en torno a la historia de la pintura y su legado en la comprensión colectiva del paisaje. Pero estos trabajos no se apoyan en la pintura para hacer una ficción del espacio contemplado. Por el contrario, parten de los códigos pictóricos existentes en los espacios recorridos a diario, que en su manifestación dan cuenta de un potencial simbólico de efecto en nuestras vidas. Ciertas composiciones de color asociadas con señales de advertencia y peligro aparecen de manera intensa como códigos que invaden el paisaje. Estas combinaciones de alto contraste penetran los lugares habitados por el hombre; pululan en las calles a través de señalización oficial o informal —sobre el suelo de calles y andenes, en avisos, piedras, paredes, carteles o bojotes de cemento— y se extienden por las carreteras que atraviesan los valles y montañas, densificando de nuevo en los demás pueblos y ciudades. Esta señalización de advertencia se expande en tanto el hombre penetra los espacios, como si fuera un reemplazo de los elementos naturales que desplaza, llevando consigo el mensaje de un peligro inminente, de un riesgo latente. Estas composiciones son una constante recordación de la fragilidad de la vida y la inevitabilidad de la muerte.
Las series protagónicas de esta muestra están conformadas por fragmentos de vegetación pintados con las combinaciones de color de tránsito y advertencia, utilizando laca automotriz y materiales industriales. El gesto de pintar ramas o cortezas simula las estrategias populares de demarcación espacial. Así, la instalación de las piezas en el lugar la sala de exposición responde a un juego de señalamientos dados por líneas o superficies que delimitan zonas de tensión. Las obras insisten en la contradicción entre el carácter controlado y artificial de la pintura, con el aspecto ligero, frágil y orgánico de los soportes.
Pintura / Mauricio Gómez
Pintura / Mauricio Gómez
Iba a decir una mentira. Iba a decir que a esos matorrales, a esos rastrojos que pinta Mauricio Gómez sólo les faltaba el viento, y tal vez algo de olor vegetal -‐ quizá el mínimo sonido de algún hierbajo quebrándose -‐ para acabar de ser verdaderos. Iba a decir eso, por pura y física falta de imaginación, cuando en realidad esos rastrojos, esos matorrales no son para nada reales. Son unas vegetaciones intrincadas y quebradizas que parecen venir de los territorios de la mente, casi como una caótica prolongación de nuestros incontrolables pensamientos. Sus colores pueden acercarse a veces a esos recodos del bosque a los que llegamos para tenderse y descansar un poco -‐ la cara puesta hacia el cielo-‐ en la larga caminata; o al refugio de un amor adolescente. Pero no. Eso es literatura y lo que Mauricio hace se llama pintura. Esos colores – que a veces incluso pueden ser verdes u ocres – son como dictados por una elaboración del espíritu. Ese desorden de ramas – que puede incluso parecerse al de los matorrales de la realidad – alberga una mirada que tiende a lo fractal, que lo acerca a la reproducción, aunque se apoya en la reflexión. Podríamos decir que es un hijo legítimo de Jackson Pollock -‐ y eso sería acertado hasta cierto punto-‐ sólo que en Pollock el azar es la esencia y en Mauricio Gómez la rigurosidad es la invitada de honor…
Fernando Herrera Gómez
Carbono / Kamel Ilían
Carbono / Kamel Ilían
Iba a decir una mentira. Iba a decir que a esos matorrales, a esos rastrojos que pinta Mauricio Gómez sólo les faltaba el viento, y tal vez algo de olor vegetal -‐ quizá el mínimo sonido de algún hierbajo quebrándose -‐ para acabar de ser verdaderos. Iba a decir eso, por pura y física falta de imaginación, cuando en realidad esos rastrojos, esos matorrales no son para nada reales. Son unas vegetaciones intrincadas y quebradizas que parecen venir de los territorios de la mente, casi como una caótica prolongación de nuestros incontrolables pensamientos. Sus colores pueden acercarse a veces a esos recodos del bosque a los que llegamos para tenderse y descansar un poco -‐ la cara puesta hacia el cielo-‐ en la larga caminata; o al refugio de un amor adolescente. Pero no. Eso es literatura y lo que Mauricio hace se llama pintura. Esos colores – que a veces incluso pueden ser verdes u ocres – son como dictados por una elaboración del espíritu. Ese desorden de ramas – que puede incluso parecerse al de los matorrales de la realidad – alberga una mirada que tiende a lo fractal, que lo acerca a la reproducción, aunque se apoya en la reflexión. Podríamos decir que es un hijo legítimo de Jackson Pollock -‐ y eso sería acertado hasta cierto punto-‐ sólo que en Pollock el azar es la esencia y en Mauricio Gómez la rigurosidad es la invitada de honor…
Fernando Herrera Gómez
Pereira Florece en Agosto / XXIV Exposición Nacional de Orquídeas
Temporada 2-2015
Itinerarios del Vértigo / Sandra Silva
Itinerarios del Vértigo / Sandra Silva
La exposición ‘Itinerarios del vértigo’ de la artista pereirana Sandra Silva, Licenciada en Artes Visuales de la Universidad Tecnológica de Pereira, Joven Investigadora de COLCIENCIAS durante dos periodos consecutivos y Doctorado Nacional. Presenta una obra de arte relacional y contextual, Sandra realizó una investigación con los ciudadanos sobre los lugares del miedo en Pereira, la cual arrojó datos que permitieron desarrollando un proceso de “Diseño social” activado por algunas mujeres transgénero del sector Parque La Libertad y la comunidad de la Fundación Universitaria del Área Andina de Pereira.
Esta exposición hace parte de su tesis doctoral en Diseño y Creación de la Universidad de Caldas. Esta exposición en la Sala César Gaviria Trujillo y Sala de Fotografía, tercer y segundo piso respectivamente.
ausencias & distancias / Gustavo Germano
ausencias & distancias / Gustavo Germano
El artista argentino Gustavo Germano con las obras ‘distancias’ y ‘ausencias’. La posibilidad de traducir en imágenes los sentidos de experiencias como la desaparición y el exilio, en el contexto de las prácticas de totalitarismo y dictadura militar que tuvieron lugar en algunos países de américa latina, en la segunda mitad del siglo xx. En la Sala de exposiciones María de la Paz Jaramillo en el subsuelo del Museo.
Esta exposición forma parte del proyecto expositivo “Indicios de la Memoria” , junto con las exhibiciones “Río Debajo” de Erika Diettes y “Silencios” de Juan Manuel Echavarría en otros puntos de la ciudad. Realizado por la Maestría en Estética y Creación de la Universidad Tecnológica de Pereira, El Instituto Municipal de Cultura y Fotourbe.
[Su]Versión / Carlos Uribe
[Su]Versión / Carlos Uribe
Una exposición del artista e historiador colombiano Carlos Uribe, quien consolidó su carrera como artista en los años 90, con una importante participación en eventos nacionales e internacionales, quien se convirtiera en una de las personas más influyentes en el campo cultural y artístico de Medellín en los últimos años, como director Artístico de encuentros de arte contemporáneo, Curador y Director del Centro Cultural Moravia. Carlos utiliza una variedad de medios y aproximaciones unidos alrededor de una obsesión por narrar la construcción de un paisaje cultural latinoamericano con el trasfondo del conflicto armado colombiano. En la Sala de exposiciones Julio Mario Santodomingo en el primer piso del Museo. Lanzamiento del libro “Del Paisaje Construido al espacio relacional” del artista Carlos Uribe. 6° entrega de la Colección Artistas Colombianos del Ministerio de Cultura realizada por el ensayista y crítico Efrén Giraldo. Se realizará un conversatorio de lanzamiento a cargo del artista y el autor del libro en la sala de video del Museo de Arte de Pereira el 15 de mayo a las 6pm.
Temporada 1-2015
Arte Moderno / Colección Avianca
Arte Moderno / Colección Avianca
La exposición ‘Arte Moderno en la Colección Avianca’. Es la selección de 46 obras de las 368 piezas que componen esta colección, reconocida por los expertos como uno de los acervos culturales de la Nación; entre esculturas, pinturas, dibujos, collages y grabados, en todas las salas del museo.
Obras de grandes artistas colombianos y extranjeros que en un intercambio de servicios y sueños con la aerolínea, han hecho su aporte a esta colección que da cuenta de la evolución del arte en Colombia; creadores como:
Alejandro Obregón, Juan Antonio Roda, Enrique Grau, Darío Morales, Pedro Nel Gómez, Edgar Negret; Eduardo Ramírez Villamizar, Gonzalo Ariza, Santiago Cárdenas, Jim Amaral, Olga de Amaral, Manuel Hernández, Gustavo Zalamea, John Castles, Maripaz Jaramillo, Gregorio Cuartas, Álvaro Barrios, Feliza Bursztyn, Luis Caballero, Angel Loochkart, Antonio Barrera, Hernando Tejada, Fanny Sanín, entre otros, conforman la exposición.
Temporada 4-2014
TERRICOLA / Helena Producciones
TERRICOLA / Helena Producciones
Un proyecto curatorial de Helena Producciones, realizada por el Museo de Arte de Pereira. La exposición está compuesta por obras de nueve artistas colombianos que aluden con sus trabajos directamente a eso que alguna vez nos enseñaron cómo los “elementos” de la tabla periódica pero que realmente, fuera de esa complicada referencia, no nos fue posible conocer, y sólo vimos en unos cuantos libros de colegio precariamente impresos o tal vez en una mona de chocolatina Jet. De otros materiales que son parte de los trabajos que componen esta exposición se nos ha dicho que generan plusvalía, que al exportarlos o transformarlos indudablemente producirán una gran riqueza en relación a la activa demanda global, como el carbón o el coltán, pero tampoco eso nos tocó a nosotros, aunque aquí haya yacimientos; como tampoco nos toca el capital simbólico, en un mercado creciente, del cobre de los cables robados, que los ladrones adentran en su calle para poderlo vender por pedacitos y hacer de ésta algo más peligroso e inaccesible.
A nosotros no nos tocó casi nada, nos tocaron como se ya se dijo el recuerdo, el polvo, la basura, los trozos, la mona y la imagen.
También hay un interés particular en esta exposición de señalar los materiales y las formas de hacer, un énfasis en una práctica constante dentro del estudio o taller, evidenciando así formas de producción donde los procesos son fluidos y más potentes. Cada una de estas y estos artistas hacen de su práctica lo que puede ser, sin forzarlo, utilizando su tiempo y derecho de ser artistas para remover junto con esas materias asuntos tan complejos como oscuros y profundos, abonando en un terreno chico pero fértil como lo hace la lombriz de tierra.
Lorena Espitia – Juan Mejía – Gabriela Pinilla – Verónica Lehner – Carmen Espinoza – Mónica Restrepo – Noemí Pérez – Carolina Caycedo – Adriana Arenas – Cristina Figueroa.
Temporada 3-2014
La Muerte se Va de Vacaciones / Sinospagan Boys & MinCultura
La Muerte se Va de Vacaciones / Sinospagan Boys & MinCultura
Una exposición colectiva que reúne 50 obras de arte de artistas de toda Colombia, desde San Andrés hasta Nariño, un proyecto curatorial de Si Nos Pagan Boys.
Los Laboratorios de Artes Visuales del Ministerio de Cultura constituyen un espacio de diálogo, que involucra a los creadores de las regiones donde se plantean en favor del fortalecimiento de sus procesos creativos. Cómo su nombre lo índica es un espacio de experimentación, que propone una concepción de la investigación estrechamente ligada al pensamiento artístico y creativo desde lo sensible. En el año 2014 el colectivo de artistas SI NOS PAGAN BOYS ha elaborado un proceso curatorial que se presenta como un diagnóstico de lo acontecido en los procesos llevados a cabo entre los años el 2011 y el 2013 en diferentes departamentos. Esta muestra vincula procesos diversos, que se destacan por ser ejemplos vividos de las experiencias sensibles producto de lo que se propone en cada laboratorio y que eventualmente tienen un impacto en el proceso de investigación personal de cada uno de los creadores. Se propone esta muestra como una experiencia audiovisual basada en el concepto glitch que se define como la materialización estética de errores, ya sean digitales o analógicos, generados a propósito o encontrados al azar, tanto por corrupción de código de datos (Data Bending) o físicamente, por la manipulación de circuitos de dispositivos electrónicos (Circuit Bending). Tal como propone la artista Rosa Menkman en su Manifiesto Glitch[1]: “Aléjate de los guiones preconcebidos de acción y únete al avant-garde de lo desconocido. ¡Vuélvete un nómada de los artefactos de ruido! La estática, la noción lineal de la información-transmisión puede ser interrumpida en tres ocasiones: durante la codificación-decodificación (comprensión); retroalimentación; o cuando se produce un glitch (una ruptura inesperada en el flujo de tecnología). Los artistas del ruido deben explotar estos artefactos de ruido y explorar las nuevas oportunidades que ofrecen.” Basados en esto tomamos el título de la muestra de la obra del artista Andrés Duarte “La muerte se va de vacaciones” pensando en que los laboratorios son procesos de interrupción y que de alguna manera rompen con las dinámicas subyacentes a cada contexto particular donde se desarrollan.
Manuel Mancera, Carlos Castillo, Mario Castillo, Nabor Betancourt, Sebastián Machado, Marcelo Peña, Mercedes Suarez, Gloria Martha Pérez, Jheny Patricia Ariza, Olga Gómez, Jairo Tamara, José Sierra, Mery Navarro, María Antonia Méndez, Luis Howard, Jonathan Howard, Anez Flórez-Corpus, Valentina Morales, Jorge Agudelo, Fredy Clavijo, Ricardo Muñoz Izquierdo, Ana Cristina Zuleta, Andrés Duque, Juan Sebastián Cárdenas, Alejandro Jiménez Salgado, Adriana Isaza, Juan Pablo Ortiz, Jhennys Obando, Andrés Monte Alegre, Milagros Rodríguez, Henry Navarro, Rubén Suarez, Armando Iguaran, Gabriela Egurrola
[1] Menkman, Rosa (2011), “Glitch Studies Manifesto”, in Lovink, Geert; Somers-Miles, Rachel, Video Vortex Reader II: Moving Images Beyond YouTube, Amsterdam: Institute of Network Cultures, pp. 336–347, ISBN 978-90-78146-12-4
Paraíso Perdido / Leopoldo Richter
Paraíso Perdido / Leopoldo Richter
La exposición reúne 20 obras entre dibujos, grabados, acuarelas del entomólogo y artista alemán, radicado en Colombia, Leopoldo Richter [Gross-Auheim, Alemania: 1896-Bogotá: 1984]. Su obra resulta fundamental no sólo por su valor artístico, sino porque constituye un documento científico y antropológico de los habitantes, las costumbres, y la vida vegetal y animal de Colombia durante la segunda mitad del siglo XX. Estos aspectos fueron estudiados por Richter en sus viajes por el territorio colombiano, especialmente por la selva amazónica y la costa Pacífica.
La exposición busca rescatar la unión entre arte y ciencia en el pensamiento de Richter como una forma particular de entender el mundo. De hecho, en la segunda mitad del siglo XX, sus trabajos fueron expuestos en las salas de arte desde un carácter exclusivamente estético.
#TantaGenteIntangible / Francisco Cifuentes
#TantaGenteIntangible / Francisco Cifuentes
El proyecto consta de una instalación en donde una red de impresoras, vinculadas entre sí a través de un sistema de software, comenzarán a imprimirse cantidades de mensajes que circulan en la red, mensajes de popularidad Nacional, con énfasis en la actualidad del País. Utilizando los sistemas de análisis de datos y de tendencias temáticas por ubicación geográfica, google trends y rastreadores de tendencias en streaming, como www.gigatweeter.com, en tiempo real y a través de un software externo desarrollado para la propuesta, estos datos serán impresos sobre una cinta de papel tipo mobius (los extremos invertidos pegados), generando en la cinta una especie de palimpsesto que dará cuenta del ideal cotidiano contemporáneo, haciendo tangible lo intangible de esa conversación interminable que se presenta a diario en la red.
-En el momento del rastreo se filtró la Keyword Pereira.
Temporada 2-2014
Cordillera / Mario Opazo
Escenarios perstados-Universos Infinitos / Johanna Arenas
Pink Punk and Bad Painting / Ricardo Muñoz Izquierdo
Cordillera / Mario Opazo
El artista de origen chileno, radicado en Bogotá, con un gran recorrido en los circuitos del arte contemporáneo, específicamente del video arte. Ha participado en la 52º bienal de Venecia, en la Bienal de la Habana y la Bienal de Mercosur. Ha sido nominado a becas y premios de creación, entre ellos se destacan: la nominación a la Beca Guggenheim por Paulo Bruscky en el año 2000 y la nominación al Premio Luis Caballero en el 2008.
Algunas de sus últimas obras se concentran en exploraciones audiovisuales, desde el videoarte hasta producciones más cercanas a lo documental y la ficción, cuenta con una videografía que se destaca por su tono poético y político, poniendo de relieve las solitarias pulsiones del hombre actual y el estado de desamparo del mundo contemporáneo.
Escenarios prestados-Universos Infinitos / Johanna Arenas
Escenarios prestados, universos infinitos de Johanna Arenas Rueda artista plástica, nacida en Bogotá (1974) Maestra en Bellas Artes de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, cuenta con formación musical de la Universidad Nacional. Arenas ha realizado exposiciones individuales a nivel nacional, como tracing paper en la Galería Nueveochenta y Espacio Van Stanseghem. Tiene importantes participaciones en exposiciones colectivas nacionales e internacionales como ODEON Feria Internacional, Espacio Carlos Corredor, en la exposición Primera estación en la Biblioteca Tintal y en la Biblioteca Virgilio Barco, Lenguajes de papel, una exposición colectiva internacional, en la Galería El Museo, FIA Feria Iberoamericana de Arte, Fundación Arteria, en Caracas, Venezuela, Contravía, una exposición Colectiva de grabado en La Habana. Cuba, entre otras.
La obra de Johanna se plantea desde una metodología rizomatica de investigación, ella parte de la observación de eventos particulares y va realizando conexiones desde diferentes disciplinas, (musical, científica, matemática) en una suerte de expansión, sus procesos creativos se convierten en una ruta de acceso al conocimiento desde la experiencia artística.
Pink Punk and Bad Painting / Ricardo Muñoz Izquierdo
Este artista visual, nacido en la ciudad de Pereira. Entre el 2004 y el 2009 realizó estudios en la licenciatura de artes visuales de la Universidad tecnológica de Pereira, en el 2011 y 2012 cursa estudios de Arte contemporáneo, en la Universidad Federal de Pelotas en Brasil, con la beca de Jóvenes talentos del ICETEX. En el 2010 es ganador de las Pasantías Nacionales del Ministerio de Cultura, Colombia, en el 2012 es ganador de una Residencia Artística Nacional que realizó en taller7 en Medellín; también participa en ArteCamara durante la feria ArtBo. En el 2013 gana las Pasantías Nacionales del Ministerio de Cultura que realiza en Puerto Colombia.
Ricardo Muñoz a se ha interesado por explorar asociaciones entre lenguajes gráficos de fuerte carga anecdótica desde el humor, el cinismo y la deformación alegórica. El dibujo ha sido el hilo conductor en la mayoría de su obra, trabajando este último sobre diferentes soportes como el papel, el video, la animación, la instalación y la intervención urbana. Abordando la memoria como eje temático, en donde el horror y lo siniestro cobran vida como categorías estéticas.
Temporada 1-2014
Fantografías & Regimen de Luz y de Sombra / Rodrigo Facundo
Dibujos al Carbón / Ana María Botero
MariPaz / Maria de la Paz Jaramillo
Fantografías & Regimen de Luz y de Sombra / Rodrigo Facundo
El artista Colombiano Rodrigo Facundo presenta Fantografías (2011) y Régimen de Luz y Sombra (2012), dos obras que hace evidente el interés y la investigación del artista sobre la producción de imágenes (mediáticas) y la visión como ejercicio consiente y generador de identidad. Con estos discursos visuales en los que se mezclan diferentes momentos históricos, espacios y culturas, Facundo construye nuevos territorios que en Fantografías se convierten en espacios reales y en Régimen de Luz y Sombra son territorios mentales con los que conforma una visión particular de la conciencia propia y colectiva. Facundo, tiene una producción artística continua desde los años 80s, su obra hace parte de importantes colecciones como la del Banco de la Republica en Bogotá y Patricia Phelps de Cisneros, entre otras. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas desde 1992 dentro y fuera del país, fue nominado y obtuvo mención en el premio Luis Caballero de 1998 y el primer premio en el 5 Salón Regional de Artistas en 1992.
Dibujos al Carbón / Ana María Botero
En Dibujos Al Carbón, la última obra de Anna María Botero se hace evidente su formación como bióloga y la conciencia que la mirada particular desde esta disciplina le confiere a situaciones que afectan de forma dramática el medio ambiente. Esta instalación compuesta por fotografías, sal y carbón, en la que el espectador puede intuir montañas o paisajes desolados de grandes extensiones, es en realidad una mirada particular y microscópica (si se compara con el contexto en que la obra está inscrita) del dibujo que deja el carbón en las playas del litoral Caribe desde Santa Marta hasta la Guajira. Partículas que día a día, incesantemente, son arrojadas al ambiente por los trenes y las barcazas de los explotadores minero. La obra en este momento tiene una importancia coyuntural que evidencia y reflexiona desde la belleza y la poesía los problemas ambientales tan graves que la minería puede traer con ella si no se realiza de forma responsable y rigurosa.
MariPaz / Maria de la Paz Jaramillo
Con motivo de los 18 años de la construcción del edificio del Museo de Arte de Pereira y sus 38 años de vida institucional se abre la exposición MariPaz, Una selección de obras de la artista María de la Paz Jaramillo, quien tras la inauguración de este Museo en 1996 con una exposición individual, donó varias de sus mas valiosas piezas entre serigrafías y grabado en metal para la colección de esta institución en Pereira.
(…) Todos los personajes de María de la paz están disfrazados de algo ‐y la tentación es decir: están disfrazados de personajes de María de la Paz Jaramillo. Pero no: están simplemente disfrazados de disfraz. (…)
(…) Lo que hace pintar a María de la paz Jaramillo no es la ambición intelectual y estética de crear formas en el lienzo, ni el juego sensual con el color y la materia; sino un deseo que tal vez podría llamarse sociológico: el de retratar una realidad social. Una realidad precisa y restringida, que es la de lo “lobo”, lo cursi, lo Kitsch. Pero no en el sentido metafísico y escatológico que le infunde el novelista checo Milan Kundera: Lo Kitsch como un ocultamiento, un disfraz de lo obsceno. Sino en un sentido que corresponde directamente a su objetivo explícito: un disfraz de sí mismo. Disfraz por el disfraz: por el placer de lo falso. Que es en fin de cuentas, ya que a eso íbamos, el placer original, el más auténtico placer del arte.
CABALLERO, Antonio.
“La autenticidad de lo falso”, Maripaz, 1987 pp. 9
Temporada 4-2013
El Fuete / Periódico de humor gráfico
El Prodigio / Pereira Sesquicentenaria
Río Arriba-Río Abajo / Rodrigo Grajales – Nicolás Gómez Echeverri – Gustavo Toro
El Fuete / Un periódico al servicio del buen humor y los intereses de Pereira
Ha sido EL FUETE desde 1942 el alero bajo el cual han dado rienda a su ingenio, humoristas de alto vuelo o que después lo alcanzaron. Por las páginas de este semanario han desfilado personajes que lo son por su alcurnia, su rango burocrático o su relevancia política, comercial y eclesiástica, también personas del común, que por sus características mueven a la hilaridad o simplemente porque a CAN se le dio la gana, se proyectaron a la opinión parroquial como sui géneris personajes. (…). En fin, EL FUETE ha tenido tantos personajes, que EL FUETE mismo es, a nadie le cabe la menor duda, un personaje excepcional de la ciudad, es su resumen mismo; su aspecto amable, coloquial, lugareño, su rostro descomplicado, su más legítima broma.
El Prodigio / Pereira Sesquicentenaria
Esta es la última exposición de una serie de 4 que tomó por bloques la historia de la ciudad de Pereira; 1905-1963. En esta época Pereira intentaba marchar al ritmo del mundo occidental, a pesar de estar lejos de ser una ciudad capital. Este período da cuenta de la transformación de la aldea en ciudad a partir de su ingreso al departamento de Caldas hasta consolidarse como centro cafetero, comercial e industrial con capacidad de concebirse como eje aeroportuario con la inauguración del Aeropuerto Matecaña. El impulso del café creó un crecimiento urbano, comercial e industrial envidiable en el resto del país. Durante este período llegan a Pereira diferentes tecnologías desarrolladas en Norteamérica y Europa como el tren y el tranvía; además, hubo un marcado interés por apropiarse de forma temprana de elementos culturales como el cine, la prensa y la radio. En este contexto se explica que Pereira haya sido la primera ciudad de Colombia en contar con telefonía automática –sin necesidad de operador – hecho que también dio origen al primer directorio telefónico del país.
Río Arriba-Río Abajo / Rodrigo Grajales – Nicolás Gómez Echeverri – Gustavo Toro
La re-significación de los ríos, más allá de un proyecto urbano encaminado a buscar desarrollo turístico o económico de zonas específicas de la ciudad contiguas a los ríos Otún y Consotá, es un asunto filosófico que obliga a examinar la relación con el territorio que habitamos, de qué forma lo habitamos, y si esa relación es sostenible, no en términos económicos, sino vitales. Esta exposición colectiva reúne a tres artistas, quienes han explorado El Río a través de diferentes medios artísticos, abordando temas como los habitantes a sus a orillas, el paso de este por la extensión del territorio y la mística de las fuentes fluviales.
Así pues, compatriotas: La pregunta, no es qué puede el RÍO hacer por nosotros; la pregunta es qué podemos hacer nosotros por el RÍO.
Barrio Kennedy.
Temporada 3-2013
Color Construido / Federico Uribe
FOTOURBE / Ciudad Latente
La Creación – Pereira Sesquicentenaria
Color Construido / Federico Uribe
Este artista de origen Pereirano nos presenta su última serie: “Color construido” 20 cuadros y 3 esculturas resultantes de un proceso laborioso y repetitivo en su estudio en Miami, USA. Ciudad donde reside desde hace 13 años, desde donde ha participado en exposiciones como Art Basel Miami, Chealsea Art Museum, Hudson River Museum y han sido destacado con artículos en publicaciones como el New York Times, la revista Credencial y ArtNexus.
En cada caso, Uribe muestra una extraña habilidad para capturar la naturaleza y el gesto de cada animal, así como él lo ha creado fuera de la más improbable de los materiales. Entre estos materiales son palas, paletas jardín, hormas para calzado, palas de calzado, plantillas de zapatos, incluso los cordones de zapatos, gastados casquillos de balas, pelotas de ping pong, libros, lápices, maletas antiguas, fragmentos de madera giga – aserrado, fragmentos de tela del pantalón camuflado, teclas de viejos teclados de computadora, corchos de botellas de vino, cables eléctricos aislados, neumáticos de bicicleta, y raquetas de tenis rotos en un caso.
Algunos de los materiales son donados, como en sus zapatos deportivos, los cuales vinieron de Puma, o de productos varios que la gente le envían. El resto se compra en las tiendas que están cerrando, desde las tiendas de dólar, o de lugares de reciclaje. Él dice que no tiene subvenciones. Él paga por sus materiales, principalmente mediante la venta de sus pinturas y otras obras de arte. Sorprendentemente, Uribe hace más de sí sus objetos. En un correo electrónico , me dijo que tiene dos asistentes que ayudan a preparar las cosas , sino que agudizan cientos de lápices , alambre cortado , o agujeros de perforación para dar cabida a los casquillos de bala de algunas obras , por ejemplo. Sin embargo, él hace todo su conjunto, y si se llega a la demostración, prueba y contar todos los tornillos en cualquier pieza, todos se atornilla en el artista. Como él dice, “Me gusta la idea de que la gente pueda leer mi esfuerzo en ellos, el tiempo que he pasado atornillar todos los tornillos. Son el testimonio de mi trabajo”.
Paisaje Cultural Cafetero / FOTOURBE / Ciudad Latente
Paisaje Cultural Cafetero es una exposición de piezas artísticas que trascienden el registro para realizar reflexiones desde la estética de las tradiciones vivas que conforman el patrimonio material e inmaterial de nuestro paisaje, a partir de una selección de trabajos fotográficos del festival FotoUrbe, que desde hace 6 años la corporación cultural Ciudad Latente realiza en Pereira.
La Creación – Pereira Sesquicentenaria
La creación es la tercera exposición histórica que el museo ha preparado para el sesquicentenario de la ciudad, en esta oportunidad cuenta la historia de la fundación de Pereira en 1863, en ella podremos encontrarnos con datos oficiales y desconocidos de nuestra historia, las primeras cuadras, la lista de mercado y la Plaza Victoria, La línea de tiempo que cuenta los sucesos relevantes en el territorio local y mundial, así como el retrato antiguo de Remigio Antonio Cañarte, una copia de la primera foto de la ciudad, los documentos notariales de la época tal como reposan en el Archivo Municipal de Pereira los cuales describen cómo se repartieron las tierras y la primer pintura de Pereira obsequio del señor Jesús María Ormaza al cabildo de Pereira.
Nanomental es un proyecto de acercamiento documental a diversos lugares de la realidad Pereirana en el contexto de la celebración del sesquicentenario de la ciudad. Se trata de un reconocimiento de los diferentes lugares y formas de relaciones culturales que se establecen entre quienes los habitan como testimonio de una ciudad que hace su historia en tiempo presente.
Temporada 2-2013
Viacrucis: La Pasión de Cristo / Fernando Botero
Como parte de la celebración de los 150 años de la fundación de Pereira, la Alcaldía de Pereira, el Instituto Municipal de Cultura y Fomento al Turismo y el Museo de Arte de Pereira, se unen para traer a la ciudad la última producción del Maestro Fernando Botero, Viacrucis: la pasión de Cristo. Una exposición que ha itinerado por varias ciudades del mundo y que en nuestro país solo ha sido exhibida en Medellín en el Museo de Antioquia, el cual recibió esta colección como donación por parte del pintor colombiano en 2012.
Durante esta temporada el Museo de Arte de Pereira, realizó una agenda académica con conferencistas especializados en la obra de Fernando Botero; InexModa, Instituto Nacional para la Exportación y la moda, realizará una conferencia: Arte y Moda, un espacio gratuito que busca indagar sobre la moda y la relación de ésta con el arte a través de la Obra de Fernando Botero. La realización de 300 visitas guiadas especializadas para estudiantes de colegios universidades, empresas así como para el público general.
Esta exposición es el evento artístico más importante del momento, es un gran regalo y oportunidad única para ofrecerle a nuestra ciudad y a toda la región del Eje Cafetero, una exhibición de talla internacional y de gran impacto social y cultural. La alianza institucional entre Alcaldía de Pereira, Instituto Municipal de Cultura y Fomento al Turismo, Ministerio de Cultura, Gobernación de Risaralda, Área Metropolitana, Alcaldía de Dosquebradas y Museo de Arte de Pereira emprendió una gestión que tiene como patrocinador oficial al INFIPEREIRA y el apoyo , Avianca, Muñoz Seguros, Estatal de Seguridad, Caracol Radio, Frisby, , Atesa de Occidente, Comfamiliar Risaralda, tecnodiesel y Equipos técnicos de Colombia S.A, Liberty Seguros, Ron Viejo de Caldas Gran Reserva Especial Mapfre, RSA Seguros, Movitierra Construcciones S.A, Azul S.A, Altavista S.A, entre otros.
El Milagro – Pereira Sesquicentenaria
El Milagro – Pereira Sesquicentenaria
El Museo prepara su programación con una coyuntura histórica , la celebración de los 150 años de fundación de Pereira, por este motivo estamos realizando un trabajo curatorial que implica varios temas sobre los que giran las temporadas de exposiciones. Este trabajo se está realizando con Carolina Giraldo, Historiadora de la universidad de los Andes, para el guión y la investigación histórica y yo como curadora. Cada bloque está compuesto por una exposición histórica y por uno o varios artistas invitados que su obra se relacione con el tema y en algunos casos una convocatoria pública.
El segundo segmento lo hemos denominado “EL MILAGRO” que abarca el periodo colonial, época en que se fundó el viejo Cartago en el territorio que hoy corresponde a Pereira. Para el Milagro escogemos como elemento primordial, la aparición de la virgen de la pobreza que es a la vez el símbolo principal de la colonización espiritual que se vivió en Cartago como parte de la colonización de la América española y un elemento primordial mediante el cual se puede narrar el paso de Cartago Viejo al actual territorio de Cartago a orillas del rio la vieja. Se plantea investigar en documentos coloniales y fuentes secundarias la historia de la aparición milagrosa de la Virgen de la Pobreza y contextualizar esta aparición en el marco de la colonización española, la moral tridentina y las historias de apariciones milagrosas de otras vírgenes representativas como la Virgen de Guadalupe, la Virgen del Cobre y la Virgen de Chiquinquirá, (con esta última, la Virgen de la Pobreza guarda varias similitudes).
Esto permite ubicar a Cartago en el contexto de la conquista y colonización americana y relacionar la historia de religiosidad de Pereira con los denominados ” efectos admirables de la imagen barroca” como ha llamado el historiador Serge Gruzinski a las políticas religiosas que impulsaron el sincretismo y el milagro como formas de cristianización de los indígenas. Adicionalmente, el traslado de la virgen de Cartago viejo al actual Cartago con ocasión del traslado del pueblo y la copia del original para volver a la virgen a su territorio original en el Pereira actual permiten recrear la historia de los territorios, las fundaciones y los traslados de las poblaciones, una de las características más importantes para comprender la conmemoración de los 150 años de la fundación de Pereira en el territorio de Cartago Viejo.
Temporada 1-2013
Casos de Cosas / Daniel Fernando Gómez
Casos de Cosas / Daniel Fernando Gómez
Daniel Fernando Gómez nació en Pereira. Cursó sus estudios de pregrado en el programa de Licenciatura en Artes Visuales de la Universidad Tecnológica de Pereira, de la cual se gradúa como estudiante distinguido en el año 2007. Este mismo año ocupó el segundo puesto en el XIII Salón Antonio Valencia, Armenia. En el 2008 hizo parte de la Selección Nacional de Imagen Regional VI, tiempo en el cual se hace ganador del estímulo de Pasantía Nacional del programa Nacional de Estímulos del Ministerio de Cultura, y de la Beca internacional del ICETEX “Jóvenes Talentos”. Termina sus estudios de posgrado en el programa de la Maestría en Estética y Creación de la UTP en el año 2009. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en el Eje cafetero, Bogotá y Brasil, entre las individuales se encuentran “Gestos y Objetos”, “SinObjeto”, “Irreales”, “Daniel en la Alcarraza” y “Cuadro a cuadro”. Es ganador del VIII Salón de Artistas Quindianos, Armenia 2010, y participó en la versión de artBo 2012 en el Pabellón de Artecámara, el cual reúne el trabajo de 33 artistas emergentes del país, menores de 40 años. Actualmente es profesor del programa de Artes Plásticas de la Universidad de Caldas.
No es extraño hoy en día asociar los principios de la pintura a un acto de representación. Los pintores en un momento dado, cualquiera que fuese su motivo o su técnica, relataban sucesos: caza de animales, pasajes bíblicos o abstracciones sobre la creación del universo, entre muchos otros. Sí es cierto, eran representaciones donde el mito y rito se unían en una sola imagen. Aún así, hoy vemos en esas representaciones como en otras tantas, que el engaño visual hace parte de ellas. Es decir, un animal o una persona allí dibujada no es lo mismo que una persona en vivo y en directo: es una representación que me hace ver un mundo dentro de este mundo y establecer asociaciones sobre mi realidad a partir de lo que veo pintado.
Andres Gaitan
El Tesoro, sal y oro – Pereira Sesquicentenaria
El Tesoro, sal y oro – Pereira Sesquicentenaria
La exposición EL TESORO, Sal y Oro cuenta con la participación del maestro ANTONIO GRASS, quien a lo largo de su vida ha investigado minuciosamente las culturas precolombinas de nuestro país, realizando varias publicaciones con el material gráfico que cuidadosamente ha reunido.
En el sitio arqueológico de El Salado de Consotá en Pereira confluyen en unos pocos metros cuadrados un manantial de agua salada a orillas del río Consotá, río de donde a su vez se extrae oro. Adicionalmente, muy cerca se encuentra una mina de cobre, metal que se utilizó en aleaciones como la tumbaga para la elaboración de piezas de orfebrería ritual. La coincidencia de estos minerales en este territorio permite afirmar que el sitio es un verdadero tesoro, hoy reconocido como bien cultural nacional. La confluencia de minerales narra a su vez una serie de historias en la región que van desde los primeros pobladores del territorio, pasando por comunidades indígenas, el período colonial, cuando el oro cambia de significado y la sal se comercializa con mano de obra esclava, hasta el siglo XIX cuando durante la colonización antioqueña se prosiguió la extracción de sal. Esta historia se renueva con el re-descubrimiento del Salado en el año 2004.
Carolina Giraldo Botero.
Dispositivos de Especulación – Pereira Sesquicentenaria
Dispositivos de Especulación – Pereira Sesquicentenaria
A partir de la iniciativa y llamado del Museo de Arte de Pereira se ha conformado un grupo interdisciplinario compuesto por arqueólogos del Laboratorio de ecología histórica y patrimonio cultural de la UTP, artistas, historiadores, ambientalistas y la realización de una convocatoria cerrada a estudiantes de Diseño industrial de la Universidad Católica de Pereira, quienes han logrando construir una Investigación/creación/diseño/apropiación colectiva de Dispositivos de Especulación a partir de la metodología referente a objetos y lugares de origen prehispánico con el objetivo de legitimar la diversidad biofísica y sociocultural del lugar conocido como el Bailadero de los indios en la Vereda Mundo nuevo y del Poporo Quimbaya como objeto de uso cotidiano.
Oro Natural / Pedro Ruíz
Oro Natural / Pedro Ruíz
La exposición ORO NATURAL del maestro Pedro Ruiz, , una reflexión que parte del carácter sagrado del oro para poner en evidencia los peligros que representa la minería (legal e ilegal) para nuestro entorno natural; en el evento inaugural se realizó una performance musical con el proyecto musical Unilibre, la cantante Adryana Collazos y el vestuario de Olga Piedrahita.
Temporada 6-2012
Hecho en Pereira / Lucy Tejada
Hecho en Pereira / Lucy Tejada
La exposición que se presenta a continuación está realizada en el marco de la convocatoria de investigación–creación de la OBRA Y VIDA DE LUCY TEJADA, que el Instituto Municipal de Cultura y Fomento al Turismo de Pereira, abrió dentro del Programa de Estímulos 2012, teniendo en cuenta la coyuntura social , histórica y cultural de la celebración del Sesquicentenario de la ciudad en el 2013.
La Maestra Lucy Tejada donó en escritura pública, el 2 de agosto de 2011, la obra personal en dibujo, pintura y grabado (un total de 163 piezas) a la ciudad de Pereira, bajo unas condiciones de exposición y conservación que permitan asegurar la difusión y el conocimiento de su obra para la comunidad. Esta donación supone una gran responsabilidad en cuanto al patrimonio cultural de la ciudad y un esfuerzo que debe realizarse de manera conjunta, entre entes públicos y privados para garantizar su conservación y el desarrollo de actividades culturales, que generen experiencias y conocimiento a través de la obra de arte.
El proyecto “LUCY TEJADA hecho en Pereira” se plantea como una primera fase de las que pueden ser varias exposiciones, que permitan a la comunidad, acercarse a la vida y obra de la artista, desde enfoques históricos que crean una relación de Lucy Tejada con la ciudad y enfoques pedagógicos que permitan generar conocimiento, por medio de la experiencia estética.
Conspiración / Rodrigo Vega
Master en Artes visuales de Tracor Arts School y Master en Fotografía de EFTI en Madrid.
Desde el 2008 se desempeña como director de fotografía y productor de lalivinstong producciones, en producciones como la campaña de FNAC 2010, cabecera de la película “Que se mueran los feos”, Campaña canal de Isabel II, Telefónica MoviStar, Pepsi max, Mcdonadls café, Repsol Algas, entre otras.
En el 2011 es finalista del “concurso internacional GALERÍA CERO”, y en el 2010 participa en Photoespaña, con su obra conspiración en la Galería Efti, Madrid. Del 2003 al 2005 realiza varios proyectos fotográficos vinculados al proyecto +Arte -Minas de la vicepresidencia de la república, El Proyecto de los Indígenas de la Sierra Nevada de Santa Marta y el Museo del Oro en Bogotá. De 1997 a 2002 se desempeña como Artista 3D y post-productor de Cine y Publicidad para la empresa Spainbox y Telson en producciones como, El día de la Bestia, nadie conoce a nadie, 800 balas (GOYA mejores efectos), lucia y el sexo, torrente II, así como en diversos anuncios de publicidad realizando efectos digitales.
Trabajando en códigos cinematográficos, nos encontramos ante un escenario silencioso lleno de enigmas que son almacenados como pequeñas tramas enlazadas en la imaginación para dar forma a un paradigma global.
2013-1863= Pereira / Salón Traslude
2013-1863= Pereira / Salón Traslude
El salón traslude como propuesta inicial esta contemplado como una muestra de proyectos artísticos inéditos en ejecución, o para su próxima realización entendido como una convocatoria pública de propuestas en formato ejecutivo; propuestas en las que se incluye: presupuestos, cronogramas, metodologías y demás pruebas del porque un proyecto es utópico o realizable dentro del marco de las fiestas celebratorias de los 150 años de fundación de la ciudad.
2013-‐1863=Pereira es una ecuación que nos determina el cuantitativo del sentido creativo que circunda la validación de la prudencia y audacia aplicada a la metodología, para la presentación de proyectos y la lucha infatigable en contra de la fecha limite (deadline) en la que uno como participante de una contienda, va dejando cabos sueltos, que hacen soltar el punto de tensión de una ponencia escrita que puede transformarse en un rio de palabras que nos ahogan como público. La oportunidad de presentar propuestas encaminadas a la celebración del sesquicentenario de Pereira es única y como tal los artistas se inspiraron para dicha conmemoración, ubicando a cada participante dentro del mapa de creativos activos en el municipio.
Así fue como se leyeron los proyectos, un sin fin de relaciones y conexiones de bocetos valorizados según su afecto, ajustes o conjeturas con las que uno como ser humano se apropia de las ideas. Su representación no es algo que se deba tomar a la ligera, pero así como a sus creadores el destino los ha iluminado con la idea, también los ha puesto en el apuro de la vida cotidiana que se vela en capas de experiencias.
Temporada 5-2012
27 Hectáreas / Rosa Angel
Threshold / Franklin Aguirre
Memorias / Iván Ríos
27 Hectáreas / Rosa Angel
La obra 27 Hectáreas de Rosa Ángel es una instalación que reúne series de dibujos hechos en tinta china y grafito y una serie de objetos. La obra reflexiona sobre la involución de los bosques tropicales en el tiempo y su decrecimiento en área debido a las gestas colonizadoras.
En la serie de dibujos “1.5%” realizados en tinta y de gran formato, la artista plasmó en el papel blanco de algodón lo que no hay, lo que falta, haciendo referencia al hecho de que dicho porcentaje refleja la cobertura actual de los bosques tropicales mundiales. Para la serie “Dibujos Hemisferios” Rosa Ángel usó las referencias literarias de dos libros de principios del siglo XX: La Vorágine y Risaralda para llegar a la conclusión de que ese fue el gran momento de la deforestación en Colombia y específicamente en el eje cafetero, movido por un proyecto económico (la colonización antioqueña) en la que la idea de progreso estaba ligada a la apertura de tierras selváticas para monocultivos y ganadería. Dichas conclusiones se sintetizan en 2 obras:
Hemisferio natural: un dibujo con círculo de bosque que simboliza la realidad de la selva, la naturaleza y lo irreductible.
Hemisferio creado: un dibujo con rectángulos de selva, que simboliza la idea de esa realidad, el paisaje construido, la reconfiguración del espacio.
Un objeto capitoneado y unas mesas con dibujos de grafito son las otras obras que conforman esta instalación. El objeto capitoneado esta hecho con un tela impresa digitalmente cuyo patrón fue diseñado usando la técnica de los dibujos anteriores pero desde una perspectiva aérea. Angel, usa este “cuadro” capitoneado para sentar la premisa de que la idea de reforestar debe partir de un proyecto colectivo. Las mesas exponen unas obras en donde solo está dibujada la naturaleza que queda en la ciudad y el espacio construido queda omitido. Estos dibujos son ejercicios diarios y son el inicio del proceso de la obra 27 Hectáreas.
Threshold / Franklin Aguirre
Somos un segundo en la eternidad
Somos un grano de arena en la playa
Somos un insecto frente a una flama
A través del tiempo, la sociedad nos ha enseñado que el poseer cosas materiales, prestigio público, buenas relaciones, un cuerpo saludable y uno que otro éxito (siempre relativo), nos ha permitido vivir con cierto bienestar. Hoy, cuando el mundo está en crisis (una de las habituales) nos percatamos del fracaso del sistema en el que estamos inmersos y del cual no podemos escapar por más que queramos o intentemos, pues son los poderes hegemónicos quienes rigen nuestras vidas, a pesar de creer que no es así.
La actual histeria ante el posible fin de los tiempos, alimentada por cadenas de televisión controladas por diseñadores de noticias y promotores de catástrofes o cortinas de humo, nos empuja a reflexionar de todas maneras sobre de nuestro papel en el mundo o, al menos, en nuestra pequeña sociedad. Es un poco soberbio pensar que podemos, como hombres, predecir cosas que nos exceden o pretender controlar la naturaleza, cuando sólo somos una pieza más del gran circuito.
El conocimiento y la religión han estado ligados por siglos, de hecho podría leerse la evolución del pensamiento al revisar la evolución de la tensión entre estos dos constructos. Sin embargo algunos de sus subproductos como el arte, toman prestados algunos de sus ritos, de sus prerrogativas, sus prejuicios y, a la vez, de sus ocultamientos. Ante la inminencia de un cambio de orden global, como seguramente ocurrió poco antes del inicio de cada siglo, con similares búsquedas de redención de las más diversas maneras, hoy nos vemos expuestos a una serie de insumos espirituales que nos confunden y nos hacen cuestionar su validez.
Memorias / Iván Ríos
La expresión como consecuencia de la reflexión es tan variada como sus protagonistas. Si la expresión como respuesta es creativa, vemos que cada posibilidad pertenece a su autor, y que depende de sus elementos imaginarios más cercanos.
En esta modalidad inédita de curaduría, suscitada por el artista Iván Cano, ante la invitación a expresarse, los asistentes a la mesa motivada respondieron atentamente, y en un momento de tregua personal, se expresaron a sí mismos con trazos espontáneos de aparente ingenuidad, y significados claros y elocuentes. Cada uno afirmó y firmó su visión, y es tan admirable la síntesis de cada respuesta como la originalidad de cada percepción. Ahora, la presentación integral como contexto de una obra nueva, sitúa la reflexión en un nivel inter-subjetivo y reinicia el diálogo creativo hacia nuevas respuestas. Necesariamente, la visión no se polariza, sino se circunscribe dentro de un contexto más amplio.
La actitud como responsabilidad ante la realidad política propia de las FARC es conocida por sus acciones de militancia y a veces por sus comunicados ideológicos, pero aquí se supera lo predecible. El resultado demuestra que el arte, independiente de determinadas posiciones, corresponde profundamente a las respuestas del ser humano total, natural y social, capaz de expresarse creativamente desde su propia originalidad. Es evidente que de todas maneras, podemos debatir y consensuar sobre la necesidad histórica del diálogo ineludible hacia la paz en Colombia, un hecho que a todos nos corresponde.
RICARDO RUIZ ANZOLA.
Temporada 4-2012
Residir: de la ventana hacia adentro, de la ventana hacia afuera –
14 Salón Regional de Artistas / Residencias en la Tierra & MinCultura
No se sabe qué fue primero, si la geografía o el ánimo. A veces, de tanto contemplar, uno se siente el creador de lo que ve. Eso es lo que debe significar contemplar, aquel momento en que lo observado se convierte en un adentro.
Esta muestra se abre como un abanico de relaciones entre los seres humanos y sus territorios: domésticos, políticos, secretos, y otros algunas veces imposibles de ubicar en las escalas ofrecidas por la cotidianidad, pues pertenecen a los mundos de la imaginación, la ficción, la elucubración; lugares no definidos en términos espaciales, pero si habitados y habitables. Territorios englobados aquí bajo la noción de Residir. Así, guiados por este término, proponemos un viaje que oscila, como lo hacen las visiones a través de las ventanas, entre el adentro: la mente, el cuerpo, la casa, el taller; y el afuera: la ciudad, el campo, el paisaje, los otros, la línea del horizonte.
Para abordar el Residir tuvimos en cuenta premisas que no obedecían simplemente a un criterio de escogencia de obras, sino a un acercamiento a la cotidianidad de los artistas. La curaduría adquirió un matiz íntimo, en especial cuando entramos a explorar la relación de los artistas con sus hogares, preguntándonos qué y desde dónde estaban mirando y cuánto de esa mirada se estaba traduciendo en sus obras. Tomamos nota de elementos como el paisaje que podía verse desde sus ventanas; les preguntamos cuál había sido la primera manifestación del arte en sus vidas. Todo esto con la ambición de identificar, al menos intuitivamente, cómo esas cosas con las que crece y vive una persona la convierten en un artista.
Durante las 70 visitas realizadas alrededor de los cuatro departamentos fuimos descubriendo que la selección de obras debía responder a lo que nos ofrecía la región como territorio, como materia prima y como público. La mayoría de los artistas que participan en esta muestra son menores de 40 años. Algunos de ellos se están enfrentando por primera vez a una exposición formal, de carácter institucional, para la cual debieron realizar trabajos estructurados desde su raíz, pasando por etapas de experimentación, conceptualización y formalización.
Imaginarios sobre nuestra condición espacial; reflexiones sobre hasta qué punto el entorno puede afectarnos, sensibilizarnos, transgredirlos, y también, en un proceso inverso, cómo nosotros podemos afectar, sensibilizar y transgredir a nuestro entorno. El resultado es esta muestra que hoy presentamos, un zoom de aquellos lugares donde la vida y la creación artística convergen, algunas veces hasta el punto en que los límites de ambas se diluyen.
El Residir – 14 Salón Regional de Artistas / Residencias en la Tierra & MinCultura
Temporada 3-2012
Lo que el ojo no ve / Guillermo Londoño
Lo que el ojo no ve / Guillermo Londoño
El paisaje ha estado presente en la historia del arte desde sus inicios. Es un referente artístico y es esto mismo lo que lo hace tan difícil de abordar, ya que este se transforma a lo largo de la historia tanto en forma como en concepto.
Cuando me enfrento a un bastidor en blanco, no procedo a intervenirlo basándome en un boceto previo, copiando paisajes de una imagen determinada, o saliendo al campo.
Sin referentes distintos a la memoria o a un sentido del “cómo es”, pinto manchas que se van transformando en una idea de paisaje que surge en ese momento en mi mente. Aparecen lugares conquistados, dominados, divididos y privatizados, talados, cordilleras intervenidas por el hombre, carreteras, campos y pastizales, construcciones y fronteras que dejan rastros y huellas aportando al cambio climático. En todos: ausencia de responsables.
Los elementos arquitectónicos que aparecen en medio de estos paisajes, nos remiten al presente. Es el paisaje de hoy, el que tal vez no vemos, o no queremos ver, pero que será mucho más referencial una vez entendido para dejar de pasar inadvertido entre nosotros.
Jardín-Datalle / Diana Drews
Jardín-Detalle / Diana Drews
Fuera de las obras pictóricas, la serie “Jardín” consta de una instalación de 28 asientos que durante muchos años ocuparon un jardín infantil de un colegio que ya dejó de existir. Pertenecieron a un salón de clase en el que ya no hay niños y aquellos que los ocuparon, ya no lo son.
Estos han sido intervenidos plasmando en cada uno de ellos una palabra que se puede relacionar con la educación en el jardín infantil y con el proceso de crear y cuidar un jardín de plantas. Por ejemplo: sembrar y cosechar; conceptos aplicables en ambos entornos. Fuera de estas palabras, cada asiento cuenta con un motivo floral inspirado en los siglos 17 y 18 tallado en el espaldar, retrocediendo en el tiempo y poniendo al descubierto la madera original o un color anterior, al levantar la última capa de pintura que se les aplicó.
En esta serie quiero destacar valores que han ido desapareciendo lentamente, nociones de educación que con nostalgia vemos diluirse, conceptos paralelos de crecimiento entre los procesos naturales y los escolares, y al desgaste y el abandono de prácticas legendarias.
didrews@yahoo.com
Nuestra Colección / Colección MAP
Nuestra Colección / Colección MAP
La Fundación Museo de Arte de Pereira abrió sus puertas al público hace 15 años acogiendo la colección del Centro de Arte Actual fundado en 1976. Nuestra colección es fuerte en arte gráfico y conceptual e incluye obras de los grandes maestros de América y Colombia desde los setentas hasta la fecha. Es un gran patrimonio para la sociedad y en ella está implícita la gran labor que estas instituciones han realizado para fomentar la cultura en la ciudad. !Venga y conozca su patrimonio!
Artistas
Temporada 2-2012
Ensayos para un Mundo Perfecto – Salón Nuevos Nombres / BBVA
Temporada 1-2012
La flor caduca por la hermosura de su gloria / Wilson Díaz
La flor caduca por la hermosura de su gloria / Wilson Díaz
Para La flor caduca de la hermosura de su gloria un proyecto presentado en la galería Santa fe de Bogotá, como última exposición en su sede histórica, y que como gesto se relaciona con proyectos que desarrollé en los años noventa que buscaban señalar la desaparición o cierre de los espacios para el arte en Colombia, actué de la siguiente manera: tome como eje de la investigación el periodo comprendido entre 1970 y 2002 que señala el gobierno de Misael Pastrana Borrero, el padre, presidente 1970- 1974 y Andrés Pastrana Arango, su hijo presidente 1998-2002, y a los ex presidentes colombianos, incluidos en este periodo de 32 años, Alfonso López Michelsen 1974-1978. Julio César Turbay 1978-1982. Belisario Betancur 1982-1986. Virgilio Barco 1986-1990 César Gaviria 1990-1994. Ernesto Samper 1994-1998. Un marco generacional que señala el asunto del poder y sus herederos, los partidos políticos tradicionales y otros actores del poder, los inicios del narcotráfico en Colombia y su desarrollo, y otros temas.
Hace algunos años estoy realizando una colección compuesta por vinilos de 33, de 78 y 45 revoluciones por minuto, hechos en Colombia por diferentes compañías discográficas. Acetatos que ya no se hacen más, en Colombia, porque en una época “pasaron de moda”, y que tampoco es posible hacerlos hoy, pues las máquinas fueron vendidas y sacadas del país. En este proceso de coleccionar encontré que los candidatos presidenciales y su maquinaria de campaña producían canciones que además de ser prensadas y circuladas como discos, por compañías como Discos Vergara, Industria Electro sonora, Promotora Musical, Discos Brando, etcétera, sonaban en la radio y en otros casos sus intérpretes las presentaban en conciertos o en la televisión. Vallenatos, bambucos, cumbias, currulaos etc que se compusieron e interpretaron para hacer la propaganda política de los candidatos al poder estatal, desarrollándose una comprometida relación con compositores e intérpretes de música popular. De la observación sobre la existencia de este género de propaganda y de la decisión de iniciar una colección sobre este tema, surge un motivo para el actual proyecto.
Las canciones escogidas y ahora en formato digital, suenan en el espacio de exhibición, estas fueron compuestas y/o interpretadas por importantes compositores y músicos Como Rafael Escalona, Jorge Villamil, Jimmy Salcedo, Los tolimenses etc. Así como por otros, actualmente menos conocidos, como Chencho y los brujos del folclor, Los antillanos del conde Jorge Araque y el Grupo Musical belisarista entre otros.
Raya Jam
Muestra de ilustración en vivo, encuentro de inquietudes creativas en torno a la expresión gráfica espontánea, pública y ante todo lúdica.
En esta edición haremos el lanzamiento de nuestra página oficial, la cual contiene los resultados de las anteriores dos ediciones y se postula como epicentro de convergencia de conceptos, propuestas y manifestaciones alrededor de la ilustración en la región.
También tendremos otras actividades derivadas y afines a este laboratorio de experimentación, como la primera convocatoria de ilustración en torno al tema: “Gas!…que pa’ dentro vas”. Que pretende recopilar lo mejor, o lo peor de nuestros ilustradores nacionales expresando su visión del asco y la resignación para compilarlos en una revista digital de descarga libre alojada en nuestra página oficial.
Con el apoyo de:
Diseño Gráfico – Universidad del Área Andina
Sin Título / José Osorio
Sin Título / José Osorio
“Pinceladas que reclaman, arremeten y refugian. Galopar de sombras en esquinas rojas. Impulso fecundo de lluvia cuando por fin nos besa la frente. Turbia manifestación de ciudad y de musgo, de núcleo, derramándose.”
Quiero hablar de la obra de Osorio, con el mismo
vértigo que brota de sus manos: sinceras caricias verdes, estallidos de tango:
“Es el atestiguar seguro del pintor que se entrega lealmente a su oficio, crédulo de sus óleos, diligente y ávido de impregnar en el blanco su aullido. Es firme la ilusión del baile sucediéndose en el lienzo. Convulcionando. Desembocando. Convergiendo en los torsos. Es preciso su trazo, embriagante y etéreo. La figura se sugiere con la misma complicidad de los amantes en un cuarto poblado de tonos. Así, compleja sin su rostro, nublada y penetrante, es una y todas insinuándose: fértil y hambrienta, tenue, relampagueante.”
Elizabeth Torres
nandiz1@hotmail.com
Umbrella House / Catalina Santamaria
Umbrella House / Catalina Santamaria
La “apropiación” más que una idea de dependencia y de dominación exógena apunta a una fertilidad, a un proceso creativo a través del cual se convierten en “propios” o “apropiados” elementos ajenos.
Trabajó como asistente por varios años con el cineasta independiente Alan Berliner. Colaboró como cinematógrafa y editora para la directora y productora de documentales en Puerto Rico Caridad Sorondo.
Actualmente está trabajando en un documental sobre artistas y squatters en NYC: “Umbrella house”.
“El compromiso con el movimiento sutil y la antítesis de lo estático en la obra de Santamaría es perenne y con esa sensible e intensa cámara-ojo logra la generación de la duda y la reflexión, elementos fundamentales en la creación de una obra plástica en movimiento.” Herman Moreno para la revista artes.
Catalina Santamaría
Estudió cine en el New School de NY en 1995.
Ha realizado varios proyectos en cine ficción y experimental.
Premios
DERAIL:
– “Kodak Cinematography Award” y “the First Place Audience Award” en The New Haven Film Festival .
– Bogen Tri-pod Award en The New School Invitational Film Festival”.
“ Derail, illustrates Catalina’s strong visual style and the capacity to invent a mysteriously sensual and poetically inspired work of cinema. “ Alan Berliner
EXCEPTO MI ALMA…:
– V Festival Internacional de cortometrajes “El Espejo” , Bogotá Colombia
Mejor cortometraje – Mejor dirección – Mejor cinematografía
LUMINISCENCIA :
– Beca de Jerome Foundation
“Ciertamente, Luminiscencia es una invitación a mirarnos, a buscarnos en el
reflejo de las certidumbres de lo que somos y queremos ser.
Con un lenguaje estéticamente poético y provocador. Es una maravilla. ”
Caridad Sorondo
Temporada 5-2011
El Futuro del Pasado: Variaciones sobre una modernidad obsoleta – MinCultura
Más Allá / María Isabel Rueda
Cinema insostenible, ficción y museografía, tránsito y desaparición / Colectivo MASKI
El Espacio se mueve despacio / Maria Teresa Hincapié
En estado de coma / Maria Elvira Escallón
No arquitectura / Colectivo Trailer
El Futuro del Pasado: Variaciones sobre una modernidad obsoleta – MinCultura
El Futuro del Pasado: Variaciones sobre una modernidad obsoleta – MinCultura
La noción de futuro fue uno de los motores principales que animó la modernidad del siglo XX, modelada de manera profunda por las manifestaciones intelectuales de la ideología del progreso. Modernidad y futuro son, sin embargo, términos que se definen de maneras diferentes a lo largo y ancho del «mundo moderno», sustentando potencialidades y paradojas peculiares en cada contexto regional, nacional, local, marginal; es el caso, por ejemplo, de la denominada modernidad periférica que se ha desarrollado en los países como Colombia: con una cultura post-colonial, y en consecuencia, marginal con respecto a los epicentros de la cultura moderna. Una modernidad para la cual, entre otras cosas, sus imágenes del futuro suelen situarse fuera del territorio nacional. Pobre, incluso, de imaginación con respecto al porvenir. En el contexto de esta modernidad periférica, la imaginación modernista sobre el futuro tuvo en el lenguaje arquitectónico y en el urbanismo, dos de sus ámbitos predilectos de expresión física; de manera consecuente, los modernismos demarcan territorios en las ciudades (las ciudades, como sabemos, se regeneran o se transforman sustancialmente en función de la*s modernidad*es).
Los artistas en El futuro del pasado: variaciones sobre una modernidad obsoleta han explorado estos territorios fragmentarios desde perspectivas heterogéneas (esta diversidad se manifiesta incluso dentro de cada uno de los proyectos en cuestión), demarcando las trayectorias que confluyen en esta muestra. Es que, más que obras concluidas, los materiales en la muestra dan cuenta de procesos de interpretación y de actuación abiertos e inacabados, y conforman escenarios remotos para contemplar, observar, analizar, recordar, o habitar de manera momentánea el sui generis mundo moderno de Colombia, o usando los términos de Marshall Berman, nuestra «experiencia de la modernidad».
Más Allá / María Isabel Rueda
(Becas Nacionales de Creación en Artes Visuales 2009)
Maria Isabel Rueda visita el muelle de Puerto Colombia (Atlántico) poco tiempo antes de que, tras décadas de abandono, colapsara en marzo de 2007. A pesar de estar en ruinas, el muelle aún es habitado a través de prácticas casi *naturales* que, por su arcaísmo, contrastan francamente con la finalidad modernista con la que originalmente fue construido.
Cinema insostenible, ficción y museografía, tránsito y desaparición / Colectivo MASKI
(Becas Nacionales de Creación 2007)
Jairo Suárez, Camilo Ordoñez y Juan Laserna exploran el destino de los modernos cinemas de la ciudad de Bogotá. Desaparecidos, semiderruidos, refugio provisional de iglesias y discotecas, dedicados a la proyección de cine XXX, los cinemas modernos fueron puestos en jaque debido a intereses comerciales, transformando las formas de consumo de las producciones cinematográficas y las formas de sociabilidad vinculadas a ellas.
El Espacio se mueve despacio / Maria Teresa Hincapié
(Becas Nacionales de creación 2001)
Maria Teresa Hincapié escapa de la ciudad, instalándose en la Sierra Nevada de Santa Marta, con la idea de llevar una vida ascética y en armonía con la naturaleza, pero allí encuentra un nuevo horizonte de devastación: “Me fui huyendo del dolor y encontré más dolor allá. Están destruyendo la ecología, acabando con la tierra, lo más bello que tenemos”. El espacio se mueve despacio surgió de esta experiencia.
En estado de coma / Maria Elvira Escallón
(Becas Nacionales de Creación 2005)
María Elvira Escallón se acerca al Hospital San Juan de Dios, en Bogotá, cuando se halla en pleno desmantelamiento como consecuencia de la Ley 100 de 1993. En las instalaciones del Hospital contrasta el estado de abandono ocasionado por la decisión oficial de desmontarlo con la riqueza de sus instalaciones y equipamiento. Esta tensión resulta más abrumadora por la resistencia de los (ex)trabajadores del San Juan, y por otros ciudadanos comprometidos con su preservación.
No arquitectura / Colectivo Trailer
(Becas Nacionales de Creación, 2005)
La adecuación de la ciudad para el tránsito del Transmilenio ocasionó una transformación abrupta de la faz urbana. La ampliación de arterias de Bogotá, como la av. carrera 30, crea “nuevas ruinas” cuya aparición agudiza la mirada de los habitantes sobre la ciudad. Margarita Monsalve, Esteban Gutiérrez, Alessandra Osejo, Juan Laserna, Camilo Monsalve (con la colaboración de Juan Antonio Monsalve) se asocian para intervenir sobre estos territorios mediante la instalación de imágenes fotográficas, paradojas visuales, en el espacio público.
Temporada 4-2011
Detrás del Mapa / Revista Invisible
Detrás del Mapa / Revista Invisible
Somos un colectivo artístico que genera diálogos culturales mediante la compilación, exhibición y difusión de diversas expresiones visuales. El Colectivo Sociedad Invisible presenta la Revista Invisible No. 1, una publicación que se plantea como punto de encuentro del imaginario colectivo iberoamericano.
En el Museo de arte de Pereira, el colectivo realizará la instalación: “Detrás de un mapa”. Con ella se busca representar y reflexionar sobre los trazados y recorridos virtuales o por correo postal, que hizo el material de artistas y creadores de Iberoamérica, para la edición No.1 de la revista. Como es usual en sus proyectos, el Colectivo Sociedad Invisible invita a artistas y creadores de la ciudad de Pereira a ser parte de esta instalación el día viernes 9 de Septiembre de 2011.
Comic Ki /
Comic = Ki / Muestra de Cómic sin Fronteras
Haciendo una mirada panorámica de la historia de la ilustración Japonesa llegamos a las obras contemporáneas de manga y anime Naruto y Dragon Ball y a la producción Americana Avatar, el ultimo maestro aire.
Queriendo acercar a los niños al arte y hablando desde lo que para ellos es fácil entender; decidimos crear una muestra interactiva en donde ellos recorren el camino de los héroes y entienden la importancia de equilibrar sus energías para dominar sus poderes. Cada participante podrá hacer un rasengan o una kamehameha y participar en la construcción colectiva de un video que se publicará en el sitio web del museo.
La Muestra de Comic Sin Fronteras es un Programa de la Corporación Cine Club BORGES que llega a su XI Versión. Su objetivo es Educar, Promover y Difundir el Cómic como Medio de Comunicación, Herramienta Didáctica, Forma de Expresión, Fuente de Conocimiento y Alternativa de Diversión y Cultura, donde converjan diferentes óptica e ideologías en aras de la Tolerancia y el Respeto.
Bienal de Fotografía de Medellín
Bienal de Fotografía de Medellín
El Club Fotográfico de Medellín es una entidad sin ánimo de lucro que tiene como finalidad la divulgación y la promoción de la fotografía en todos sus campos: artístico, técnico y educativo; a través de estos 56 años de actividades continuas, el club ha sido una escuela permanente de inquietudes y experiencias que explican y justifican su existencia.
Para esta versión 21 Salón Colombiano de Fotografía – 7ª Bienal 2010 se recibieron 170 trabajos, presentados como obras fotográficas, tanto en formato común, como en la categoría de formato especial. De estas, fueron seleccionadas 47 obras de 40 autores, para conformar la exposición y para ser publicadas en el catálogo.
Temporada 3-2011
Lo que queda del día / Cristina Ochoa
Lo que queda del día / Cristina Ochoa
Me interesa la manera cómo son fabricados y asimilados los mitos culturales, ya sea como estrategias de manipulación para ejercer poder o como parte de procesos de búsqueda de identidad o certeza, de una u otra forma el mito se fabrica, se difunde y se consume convirtiéndose en lo habitual, así a fuerza de seducción y repetición se inserta dentro del corazón de la sociedad como mecanismo de supervivencia.
Desde la noción de deseo como energía creadora y destructora, he desarrollado una práctica que puede definirse como “collage expansivo” en donde sistemáticamente retomo toda clase de elementos, desperdicios de consumo, desde física basura, objetos, imágenes o estereotipos, fragmentos de un lado y otro, para reconstruir narrativas alternativas, que me permitan cuestionar lo establecido. Creando espacios de negociación en donde las ideas de catástrofe y utopía se enfrentan en situaciones paradójicas.
Performance:
La Receta Milagrosa
titaniamagnetica@hotmail.com
Pinturas Anónimas / Alvaro Herrera
Pinturas Anónimas / Alvaro Herrera
De toda la colección que atesora el Museo de Arte de Pereira, me interesaron tres obras de las cuales, no se conocen los datos básicos, ni de autor ni de fecha de realización. Esas tres pinturas tendrán en sí mismas una serie de acciones ahora perdidas, que las llevaron desde el estudio del artista hasta la bodega en donde ahora se guardan. Me interesa reactivar su posibilidad de generar otras acciones y no solamente la de ser observadas en la exposición, sino la de dialogar con mi propia práctica y ser el puente de conexión entre una serie de obras nuevas y la acción directa en el espacio público.
De las pinturas anónimas, tomo algunos detalles puntuales, como por ejemplo su tema: el retrato de un nadador, la foto intervenida de Mao o la idea de paisaje nevado. Con esas ideas construyó tres series, desde aproximaciones diferentes en torno a la pintura, apoyado por la imagen digital, en vinilo adhesivo o en acrílico sobre madera, según lo que me sugería cada tema y con esta obra hago un performance involucrando la comunidad vecina.
- COLECCIONADO 24 horas dentro de la bodega del museo. Performance dentro y desde su colección. Live streaming.
Cuerpo Expuesto / Sandra Silva
Cuerpo Expuesto / Sandra Silva
La investigación presenta un panorama del tratamiento simbólico que se ha dado a la imagen del animal a través de la historia del arte, desde la prehistoria hasta nuestros días, haciendo énfasis en las corrientes contemporáneas. Aborda y analiza el concepto de lo bello conflictivo y su relación con nociones como la abyección, el horror o la repulsión. Estudia la función del animal como metáfora en obras de arte y performances, su uso en la producción de pigmentos, y el exceso al que han llegado algunos artistas que recurren al animal para la elaboración de sus propuestas. Por tratarse de una investigación-creación, se analiza la relación entre los humanos y uno de sus parásitos más antiguos, la pulga Ctenocephalides canis, y a partir de esta relación se plantean la fobia y la hibridación como elementos para la exploración gráfica y creativa. Se concluye que el arte, a partir de las Vanguardias, ha dotado a la obra de un lenguaje en el que se proyecta el significado de animalidad a través de unas categorías estéticas que han superado lo bello, para integrar otras categorías, como lo monstruoso, lo siniestro o lo feo.
KUNSTOMERSERVICE / Andres Londoño
KUNSTOMERSERVICE / Andres Londoño
ARTE EN ALEMÁN : Kunst <-, Künste> [k nst, pl: ‘kYnst ] SUBST f:
SERVICIO AL CLIENTE EN INGLÉS: Customer service.
SERVICIO AL CLIENTE PARA LAS ARTES: Kunstomerservice.
El término Kunstomerservice proviene de la unión de palabras Kunst, y la idea de un servicio al cliente, donde Kunst significa arte en alemán, generando así un nuevo término. Un servicio al cliente para las artes (servicio al cliente en inglés, customer service). Un puesto de servicio estético proporcionado para encontrarse con las opiniones generadas por el público. Ofrece una plataforma para todas las personas que accidentalmente, incidentalmente o premeditadamente se ven involucradas con las artes. Necesita ser generado por otras exposiciones, ferias, eventos artísticos, viajes y opiniones para que funcione correctamente. Tiene que involucrarse con el público recibiendo quejas, sugerencias y logros en estas actividades. En ese orden el servicio crea un diálogo que pretende generar un resultado estético. Cuando no está presente en el medio del campo, Kunstomerservice desarrolla una práctica que tiene el propósito de crear experiencias colectivas manteniendo las políticas de diálogo y de intercambio dentro de la opinión pública. Como marca, Kunstomerservice también provee resultados estéticos a partir de su propia imagen y logo.
londonoandres@yahoo.com